2024-25

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Mass 2

Mass 3

Mass 4

Mass 5

Mass 1

Street Chorus

Großes Haus

Celebrant

Tänzerinnen und Tänzer

Dramaturgie

Inszenierung und Choreografie

Kostüm

Mitarbeit Kostüm

Musikalische Leitung

Bühne und Licht

Chor

Knabenchor der Chorakademie Dortmund - Einstudierung

Solist des Knabenchores der Chorakademie Dortmund

Mass

2018-19

Programmheft zu "Mass"

Ein Fest für Lenny

Konzertsaal, moderne Kirchenarchitektur, eine Kongresshalle, wie sie in Amerika von Fernsehpredigern genutzt wird. Der Bühnenraum in hellem Holz kann das alles sein, auch weil sich die Konstruktion von Stefan Mayer während der gut zwei pausenlosen Stunden von Leonard Bernsteins „Mass“ am Musiktheater in Gelsenkirchen überraschend wandlungsfähig zeigt. 

„Ein Theaterstück für Tänzer, Sänger und Musiker“ hatte Bernstein seine Komposition genannt. Er hoffte, dass „Mass“ zum großen amerikanischen Werk des 20. Jahrhunderts werden würde und er sich vom Ruf des One-Hit-Wonders, der seit der „Westside Story“ an ihm haftete, lösen würde. Die Uraufführung 1971 wurde ein Flop. Nicht wegen der Musik, in der sich Bernstein auf der Höhe seines Einfallsreichtums zeigt, sondern wegen der eigenartigen Form. Sie folgt der Liturgie, ist ein Oratorium, aber auch ein Musical über eine Gruppe von Menschen, die gegen eine überholte Form des Glaubens rebellieren.

Das Musiktheater im Revier zeigt weltweit die einzige szenische Umsetzung von "Mass" zum 100. Geburtstag des Komponisten. Richard Siegal besorgt Inszenierung und Choreographie. Am besten ist der ehemalige Tänzer von William Forsythe immer dann, wenn er Bewegung nur aus der Musik heraus entwickelt. Auch hier überfrachtet er nicht das Stück mit zusätzlicher Bedeutung. Doch es gelingt ihm Außerordentliches: Siegal führt Ballett, Chor, Kinderchor, Orchestermusiker und Opernsolisten zu einem einzigen Ensemble, einem Körper zusammen.

Eine Schlüsselposition nimmt dabei der Tänzer Paul Calderone ein, der eine der Hauptpartien singt und stimmlich neben dem Opernensemble, das sich im Blues-Ton sichtlich wohl fühlt, und dem ausgewiesenen Musical-Spezialisten Henrik Wagner, der den Celebrant singt, locker besteht. Das Konstruierte von „Mass“ – in Gelsenkirchen ist davon nichts zu spüren.

kulturwest.de

Masse Mensch statt Messe

Seit der Entstehung von Leonard Bernsteins monumentaler Musiktheaterkomposition Mass für Sänger, Schauspieler und Tänzer sind fast 50 Jahre vergangen. 1971 uraufgeführt zur Eröffnung des John F. Kennedy-Center for the Performing Arts in der US-Hauptstadt Washington D.C. im Auftrag der Witwe des ermordeten Präsidenten, erweist es der Freundschaft der beiden weltberühmten Charismatiker aus Politik und Musik Reverenz. Ein großer Wurf im umfangreichen Oeuvre des vielseitigen jüdischen Künstlers ist diese Hommage an den kunstsinnigen, bekennenden Katholiken leider nicht geworden. Zu sehr verhaftet und bezogen auf den Entstehungsanlass wirkt heute die fast zweistündige Komposition. Zu viele philosophische Aspekte will sie in der Figur der Hauptfigur vereinen. Der die Messe zelebrierende Priester trägt deutlich selbstreflektierende Züge des Komponisten. Andererseits bezieht sich die üppige Besetzung mit gesprochenen Passagen inmitten langer gesungener Monologe und Chöre, der gewaltige instrumentale Apparat und die Aufmärsche von Massen, konterkariert von Tänzer-Eskapaden, auf den Zweck des neuen Kunsttempels: galt es doch 1971, die „Weihe" eines Hauses für alle darstellenden Künste zu feiern (weshalb auch eine der 32 Nummern explizit einem entsprechenden Beethoven-Thema gewidmet ist).

Eindeutig hat sich Bernstein selbst überfordert. Eigene Lebens- und Glaubensfragen bündelt er entlang des Ritus der katholischen Messe - von Kyrie bis Agnus Dei - in der Gestalt des „Celebranten". Dantes göttliche Komödie war darüber hinaus Vorlage für die Textcollage aus den lateinischen Versen und englischen Reflexionen. Ein kurzes, hebräisches Zitat (Kadosh.... = Heilig, heilig, heilig) bezieht die jüdische Religion ein.

Stilistisch mischt der Komponist Klassik, Pop, Jazz und Gospel. Musikalisch auf dem Niveau seiner Westside Sory etwa (und mit deutlichen Anleihen bei Orffs Carmina Burana) sind nur der letzte Teil des „Gloria", das „Sanctus" und schließlich die Bitte um Frieden. Da „outet" sich der Pazifist Bernstein am deutlichsten, der sich - damals - vehement gegen den Vietnam-Krieg aussprach.

Dass sich nun, im Jubiläumsjahr zum 100. Geburtstag des Amerikaners, das Musiktheater im Revier - trotz der durchaus umstrittenen Rezeptionsgeschichte - an eine Inszenierung von Mass wagt, erstaunt fast gar nicht. Denn es wird ja unter Michael Schulz dem traditionellen Ruf des mutigen David in der deutschen Musiktheaterlandschaft gerecht. Auch die Zusammenarbeit mit dem Ballett ist hier längst selbstverständlich. Als Regisseur von Mass berief man den in Deutschland höchst gehandelten und hier seit langem beheimateten amerikanischen Avantgarde-Choreografen Richard Siegal. Er ignoriert weitgehend die Chronologie der Messe, und bedient stattdessen die andere Bedeutung des englischen Titels: Masse (Mensch) statt (katholische) Messe - als Tanz der Masse Mensch um das Goldene Kalb, das Erlösung aus Not und Reichtum für jedermann verspricht. Da tritt ein Laienprediger auf, der den Massen ewiges Heil verspricht. Sie strahlen ihn an, glauben ihm und erheben ihn - der selbst von Glaubenszweifeln geplagt wird - zu ihrem Heilsbringer. Sie umtanzen ihn wie die Israeliten das Goldene Kalb - bis er stürzt. Zurück bleibt die Bitte um Frieden - vorgetragen zuerst von einem Knaben. Hoffnung auf eine bessere Zukunft.

Natürlich sprengt so eine Inszenierung mit 180 Mitwirkenden die Dimensionen des relativ kleinen Bühnenraums. Aber das Musiktheater im Revier wird hier symbolisch zur übervölkerten Erde. Bühnenbildner und Lichtdesigner Stefan Mayer schafft, ganz im Sinn von Bernstein, mit seinen modernen Kiefernholz-Aufbauten elegant Raum für alle: Bläser, Gitarristen und Pianist sitzen an der Bühnenrampe rechts und links über dem Orchestergraben. Choristen singen von Emporen. Zum Schluss steht dort auch die Flötistin, die anfangs ganz links in der Pultreihe auf der Bühne spielte. Gesangssolisten und der „Streetchorus" sitzen in der ersten Reihe des Parketts. Den Hymnus der Friedensbitte singen auch manche Zuschauer von den verteilten Notenblättern mit. Alle rücken zusammen. GMD Rasmus Baumann hält mit bewundernswerter Souveränität die musikalischen Fäden in der Hand.

Der Theaterchor tritt aus den Kulissen auf, singt von den Emporen - strömt von überall her und hat wunderbare Solisten für kleine Szenen im Beichtstuhl, als Zweifler, hoffende Anhänger des Wanderpredigers. Der Knabenchor der Akademie Dortmund repräsentiert rührend natürlich und klangrein die Zukunft. Die Blechbläser marschieren durch Seitentüren des Zuschauerraums auf und verbreiten Oktoberfeststimmung. Das Ballett im Revier hopst fröhlich durch die Masse Mensch, die sich zum Widerstand gegen überkommene kirchliche Heilsversprechungen versammelt.

Startänzer Paul Calderone, der auch mindestens so gut singt wie die solistisch eingesetzten Choristen, ist schwarz gewandet und soll wohl so eine Art Diabolo abgeben. Als einziger Tänzer darf er sich in einer kurzen, sehr düster ausgeleuchteten Sequenz auf dem Boden wälzen. Alle anderen Tänzer folgen einer Choreografie der 1970er Jahre und zitieren sogar in kleinen Zweiersequenzen Alvin Ailey. Der Afroamerikaner lieferte bei der Uraufführung die Choreografie - Signal für Toleranz in den Künsten. Jetzt wären Streetdancer aus dem Revier dran gewesen - natürlich vom Verein Pottporus. Bei allem Respekt für das Ballett im Revier und Bridget Breiners Arbeit: hier war der Spagat des Musiktheaters im Revier zur freien Szene der Region gefragt - der Mut also heute hier wie damals das Engagement des Afroamerikaners dort. Dass das nicht klappte - darin liegt die Enttäuschung über diese überaus ehrgeizige Produktion von Bernsteins Mass.

theater pur

Sugar and Spice

Auf der Bühne herrscht fast schon ein Rummel von 180 Künstlern, Tänzern und Sängern. Richard Siegal, bekannt für sein Interesse an Gegensätzlichem und seine grenzüberschreitenden Arbeiten, inszeniert und choreographiert Leonard Bernsteins „Mass“ („Messe“). Auch die Kostüme entstammen Siegals Hand, sie fallen aber deutlich zurückhaltender aus, als man es von seiner eigenen Kompagnie Ballet of Difference kennt. Schließlich tanzt hier die Gemeinde, heute Abend wird eine Messe gefeiert, wird gebetet und gesegnet. Auch die Zuschauer müssen ran und in „Almighty Father“ einstimmen.

Erklärtermaßen „gigantisch“ soll sie werden, diese Spielzeiteröffnung im Musiktheater im Revier Gelsenkirchen. Und das ist der Abend dann auch, schon weil Siegal das gesamte Haus involviert. Alle Sparten wirken unter der Leitung von GMD Rasmus Baumann mit, Tänzer, der Opernchor, der Knabenchor der Chorakademie Dortmund, eine Rock-Blues-Band und die Neue Philharmonie Westfalen stehen an dem Abend, singend, spielend und tanzend auf der Bühne, auf den Rängen und im Zuschauerraum.

In „Mass“, geschaffen zur Eröffnung des Kennedy-Centers for the Peforming Arts, vereint Bernstein Jazz mit Musical und Kirchenkonzert und verhandelt dabei das Grundproblem des menschlichen Glaubens: den Zweifel, die Theodizee. Wie kann Gott sein bei so viel Unheil in der Welt? „Mass“ erzählt vom Hadern mit sich und der zerbrechlichen Welt, von Hoffnungsstärke in Zeiten des Umbruchs. Das mögliche Bessere als Grundsatz des Handelns, als Mahnung zur Verantwortung eines jeden. Der Street Chorus, der rockig-poppig, also betont volksnah, auftritt, fragt nach dem Sinn der Beichte, klagt über materielle Zwänge und persönliche Sinnkrisen. Tänzer und Street Chorus treten an ein Pult und schmettern dem „Und es war gut“ der biblischen Schöpfungsgeschichte die anklagende Wahrheit des Kolonialismus, des Kriegs und der Ausbeutung entgegen. Diesem Klagen und Fragen der „Gemeinde“ antwortet der Chor von der „Empore“ des zweiten Rangs wie in der Liturgie der römischen Messe. Zwischen beiden versucht der weißgewandete Priester, gespielt von Henrik Wager, zu vermitteln. Der in Schwarz gekleidete Tänzer und Sänger Paul Calderone tritt dem Zelebranten entgegen, als Individualist, der sich nicht mit einfachen Worten zufriedengibt. Der Abend steuert auf den Fall, den Glaubensverlust des Zelebranten, zu. Er, der nie aufgibt, wird durch die Worte „Wir können alles an einem Tag zerstören“ wieder zum Menschen. Die Herumirrenden folgen ihm wieder, er selbst wird darüber jedoch zum Zweifler. Aber die Hoffnung ersteht in Gestalt eines Chorknabens wieder auf, der den Lobgesang „Lauda! Laude“ anstimmt.

Frei nach Siegals Grundsatz, es gibt nur Konventionen, aber keine Regeln, rennen, stampfen und tippeln die Tänzer umher. Ihr kindliches Herumtollen mischt sich mit klassischen Ballettsprüngen, mit akrobatischen Formationen und detaillierten Hüftbewegungen. Häufig wirkt das Geschehen chaotisch, jedoch nie unbeholfen. Eine exakt gearbeitete Choreographie trifft auf gewollte Unordnung. Doch der Sog, der Siegals Choreographien kennzeichnet, kann sich angesichts der permanenten Gleichzeitigkeit der Geschehnisse auf der Bühne nicht wirklich entfalten. Die hölzerne Bühne (Bühne: Stephan Mayer) fungiert als mobile Fläche, verwandelt sich im Laufe des Stückes immer wieder, lässt einen Thoraschrein erstehen. Die kleinteilige Holzkonstruktion öffnet den Raum und verengt ihn wieder bis hin ins Klaustrophobische. Über der Bühne hängt ein Drahtelement mit einem Aktienkurs aus LED-Pünktchen, der hier die Konjunktur des Glaubens symbolisiert. GMD Baumann dirigiert die Ränge, die Bühne, den Graben. Der Graben ist überbaut mit einem Holzsteg und verbindet so den Zuschauerraum mit dem Bühnengeschehen. Zwar überrascht die Musik das Publikum immer wieder, wenn sie erneut aus einem anderen Winkel ertönt. Doch die beabsichtigte Integration der Zuschauenden gelingt nicht überzeugend. Musikalisch ergibt sich ein Konglomerat aus Marschmusik, Jazz, Kirchenmusik, Klassik und Pop-Rock-Songs.

Zum Schluss treten Chöre und Tänzer an den Rand der Bühne, setzen sich auf die Holzrampe. Der Zelebrant entlässt das Publikum: „Die Messe ist beendet. Gehet in Frieden.“ Das Aktienchart verwandelt sich in den Stern von Bethlehem, um Gottes Schäfchen heim zur eigenen Krippe zu leiten. Zwar gelingt inhaltlich durchaus die Aktualisierung des Stoffes, doch stellenweise erinnert der Klamauk der Gelsenkirchener Inszenierung mehr an Broadwaykitsch. Das Publikum zeigt sich begeistert.

("Sugar and Spice" heißt ein Lied, das im Stück gesungen wird.)

Die Deutsche Bühne

Vom Pop-Star zum Prediger

Bernsteins „Mass“ beschwört den Geist der Gemeinschaft. Das monumentale Meisterwerk überwältigt im MiR durch inneren Frieden.
Der charismatische Dirigent Leonard Bernstein schrieb sein musikalisches Happening „Mass“, als ihn als Komponist tiefe Zweifel plagten. 1971 zur Eröffnung des Kennedy-Centers in Washington uraufgeführt, atmet sein spartenübergreifendes „Theaterstück für Sänger, Tänzer und Musiker“ den Aufruhr einer Zeit des rapiden gesellschaftlichen Umbruchs. Mit dem sperrigen Werk gelingt dem Musiktheater im Revier (MiR) in der ersten Premiere der neuen Saison ein überwältigendes totales Raumtheater.

Grandioser hätte das Gelsenkirchener Haus Bernstein zum 100. Geburtstag nicht gratulieren können. Die geheime Botschaft kommt an beim ergriffenen Premierenpublikum, das alle Beteiligten mit Klatschmarschen feiert. Es ist der in Zeiten gesellschaftlicher Konfusion gebotene Geist der Gemeinschaft, den diese Produktion schlüssig beschwört. An diesem Abend umarmt die Bühne ihre Publikumsgemeinde im Zeichen inneren Friedens.
Bernsteins Messe (im Englischen „Mass“) folgt dem alten katholischen Ordinarium. Aber sie bricht es musikalisch verwegen auf, wenn zum Kyrie Eleison aus dem Parkett eine Banda auf die Bühne marschiert und bei vollem Licht aus der ersten Parkett-Reihe eine Gesangsbreitseite des kompletten Solisten-Aufgebotes tost. Oder wenn in den Dies irae, den Tagen des Zorns, der Aufruhr der Glaubenszweifler tobt. Der Zeitbezug des Protestes gegen den Vietnamkrieg, die Flower Power der Hippies, die sexuelle Revolte und das Aufbegehren der damals neuen Frauen- und Umweltbewegung bleibt ausgeblendet. Es ist das einzige, allerdings gewollte Defizit in der Inszenierung des namhaften amerikanischen Choreografen Richard Siegal, der auch für die Straßenchor-Kostüme verantwortlich zeichnet.

Der ehemalige Forsythe-Tänzer, der in Deutschland mit „The Bakery“ und seinem „Ballet of Difference“ eigene Compagnien ins Leben rief, setzt auf den universellen Gehalt. Bernstein erkannte optimistisch die Chance eines gesellschaftlichen Umbruchs, aus der ein Aufbruch erwächst. Die Paranoia des republikanischen Präsidenten Nixon, der den „Aufrührer“ Bernstein bei dessen Arbeit an „Mass“ abhören ließ, wirkt in Trumps paranoidem Amerika erschreckend aktuell. Dem nähert sich die Gelsenkirchener Aufführung überaus subtil, wenn der zelebrierende Priester erst als wieselnder Pop-Star und im zweiten Teil als konservativer amerikanischer Prediger auftritt, dem alles, auch die Glaubensgewissheit, zerbricht. Besetzt ist diese herausgehobene Partie nicht mit einem gestandenen Bariton, sondern mit dem bewegungsfreudigen englischen Musical-Interpreten Henrik Wager.

„Mass“ bündelt am MiR wie nie zuvor alle Kräfte. Hier wird das Ensembletheater nicht nur beschworen, hier wird es gelebt. Das führt vor allem im ersten Teil zu einem mächtig aufgekratzten, visuell fesselnden großen Auftritt in der schlichten Sperrholz-Kulisse von Stefan Mayers raffiniert variabler Bühne mit ihren lichtdurchlässigen Lamellen. Hier besticht das Ballett in Siegals unverkennbar feingliedriger Beinarbeit durch gezirkelte Präzision und die Wucht atemberaubend sprunghafter Rasanz. Der psalmodierende Choral des verstärkten Opernchores aus der Himmelshöhe des zweiten Ranges zur Linken und der Engelsgesang des überragenden Knabenchores der Chorakademie Dortmund verfehlen ihre Wirkung nicht.

Für Generalmusikdirektor Rasmus Baumann ist Bernsteins schillernde Musik ein Herzensanliegen von frappierender Spannung. Baumann hat diese Musik, die hoch hinaus strebt, aber das Schlichte, das Populäre nicht verschmäht, mit der zwischen Graben und Bühne zweigeteilten, um eine Rockband, eine Konzert- und eine Rock-Orgel verstärkten Neuen Philharmonie Westfalen auf höchstem Niveau einstudiert. Und so gelingt dem swingenden Dirigenten der unentwegte Stilwechsel von düsteren Streicherpassagen wie in Bernsteins zweiter Sinfonie, Hymnen, Gospel, Blues, Jazz, Broadway-Melodien, Chorälen und lateinischem Chor-Ritus erstaunlich bruchlos mit mitreißendem Drive.

Recklinghäuser Zeitung

Enorme Gesamtleistung

Leonard Bernsteins „Mass“ gehört zu den zentralen Werken seines Schaffens und ist doch selten auf der Opernbühne zu sehen. Ein musikalisch und ideell zersplittertes Werk, das einen tiefen Einblick in Bernsteins Gefühlslage um 1970 freisetzt.

Erschüttert vom Vietnam-Krieg, beeinflusst von den Protesten der späten 60er, stellt Bernstein in „Mass“ den lateinischen Mess-Text, mit tiefer Skepsis und leiser Zuversicht, zur Diskussion. Auf den ersten Blick kein Stoff für ein Bühnenwerk. Doch die Neuproduktion des Musiktheaters im Revier (MiR), deren Premiere zum Saisonstart begeisterte Zustimmung gefunden hat, zeigt, wie geschickt Bernstein selbst ein solch spirituell gefärbtes Thema bühnenwirksam aufbereiten konnte. Sie zeigt freilich auch die Grenzen und Tücken einer theatralischen Darstellung des Stoffs.

Was in Gelsenkirchens Oper herausragt, ist die Bereitschaft des gesamten Ensembles, sich voll in den Dienst einer Gemeinschaftsleistung zu stellen, die trotz vieler Solo-Rollen niemandem Raum für exponierte Selbstdarstellung lässt. Dabei hat das MiR nicht weniger als den erweiterten Opernchor, den vorzüglichen Knabenchor der Chorakademie Dortmund, die Neue Philharmonie Westfalen, das Ballett-Ensemble und eine fünfköpfige Jazz-Rock-Band aufzubieten. Da tummeln sich gut 180 Personen auf der Bühne! Der Chor ist aufgeteilt in Gottesdienstbesucher und einen „Street Chorus“, der die liturgischen Texte mit Zweifeln in Frage stellt, so dass die Gemeinde und selbst der fromme „Celebrant“, der den Gottesdienst zu organisieren versucht, in Gewissensnot geraten. Ein Gottesdienst, der eher Distanz als Nähe zu Gott schafft.

Bernstein greift dafür tief in die Kiste des musikalischen Stil-Reservoirs von altertümlichen Kirchengesängen über Jazz- und Soul-Anleihen bis hin zu frei tonalen Klängen und Zwölfton-Sequenzen. Bunter als in diesem Gemisch aus Oratorium, Oper und Musical geht es nicht. Und wenn ein versierter Choreograf wie Richard Siegal Regie führt, verwundert es nicht, dass der Tanz einen besonderen Stellenwert einnimmt. Allerdings scheint Siegal das Werk vor allem als Folie für wirksame Tanzeinlagen und Massenszenen zu sehen, während die spirituelle Aussage relativ unscharf bleibt. Auch die nüchternen, lamellenartigen Holzwände von Stefan Mayer gehen tieferen sakralen Bezügen aus dem Weg. Von Bernsteins Vorstellung, die Bühne vom Zuschauerraum bis zum Altar als räumlichen Höhepunkt stufenartig anzulegen, rücken Siegal und Mayer mit ihrer ebenerdigen Lösung ab. Das Ganze erinnert eher an ein turbulentes Volksfest mit einigen zweifelnden Störern und massivem Stimmungsumschwung.

Eine Schwachstelle bleibt der Schluss des Werks, was auch die ambitionierten Gelsenkirchener Akteure nicht abmildern können. Der Celebrant, mit niemand Geringerem als dem Musical-Star Henrik Wager besetzt, brütet seine Verzweiflung in einem großen, pathetisch dick aufgetragenen Monolog aus, dem eigentlich eine rigorose Abkehr von Gott und der Kirche folgen müsste. Bernstein lässt aber noch einen Knabensopran mit einem geradezu kitschig-süßen Lobgesang auftreten, auch wenn Jonas Finkemeyer vom Knabenchor der Dortmunder Chorakademie so glockenklare und blitzsauber intonierte Töne anschlägt, wie man sie selbst von manchem Profi nicht immer hören kann.

Als Stärke der Produktion erweist sich die homogene Gesamtleistung nahezu aller Kräfte des Hauses. Generalmusikdirektor Rasmus Baumann hat alle Hände voll zu tun, das Orchester, mehrere verteilte Instrumentalgruppen und den großen Chor zusammenzuhalten, was ihm mühelos gelang.

Standing Ovations für eine ambitionierte Wiedergabe eines schwierigen Stücks, das in Gelsenkirchen vor allem durch seine vitale Umsetzung gefällt, während die religiös-spirituellen Dimensionen eher zu kurz kommen.

Westdeutsche Allgemeine Zeitung (Kultur)

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