2024-25

opera

singing

Track 1

Track 2

Track 3

Track 4

Bühne

Stimme eines jungen Seemanns

Isolde

Marke

Ein Hirte

Licht

Dramaturgie

Kostüm

Kurvenal

Tristan

Chor

Brangäne

Melot

Inszenierung

Ein Steuermann

Musikalische Leitung

Tristan und Isolde

Großes Haus

2016-17

Narkotisierende Wagner-Wonnen

35 Jahre liegt am Musiktheater im Revier (MiR) die letzte Inszenierung von Richard Wagners „Tristan und Isolde“ zurück. Nicht nur durch extreme Anforderungen an eine überzeugende Besetzung ist diese Oper ein Ausnahme-Werk. Maßlos wirkt auch der Anspruch an jeden Dirigenten und an die Regie. Musikalisch kommt das Ergebnis in Gelsenkirchen einer Sensation gleich.

Der Sogkraft, die Rasmus Baumann bewundernswert souverän mit der hochkonzentriert in Glanzform spielenden Neuen Philharmonie Westfalen in vier Stunden Musik ohne nachlassende Spannung entfacht, vermag sich niemand zu entziehen. Schon die fesselnde Ouvertüre gibt den großen Atem der ewigen Melodie vor. Keine breiten Tempi. Keine Spur traditionsverhafteter Verklärung. Bestechend klar meistert Baumann mit den Philharmonikern das weit ausgesponnene Crescendo, in dem auch das Tempo unmerklich anzieht.  

Er zelebriert diese magische Musik nicht. Er lebt sie. Präzise ausgeleuchtet sind die keineswegs überladen pastos aufgetragenen Farbwechsel. Nichts verweist mehr auf den traditionellem Wagner-Mischklang. Stattdessen überzeugt diese Einstudierung durch raffinierte Harmonik, präzise Temporückungen und dramatische Impulse jener ekstatischen Entgrenzung, von der das Drama unentwegt erzählt. Ein Meisterstück. Und eine bis ins berückende Englischhorn-Solo im pechschwarzen Vorspiel des dritten Aktes hinreißend musizierte Bewährungsprobe dieses fabelhaften Orchesters.
An tiefschürfenden Interpretationen des „Tristan“ mangelt es nicht. MiR-Hausherr Michael Schulz hält in seiner Inszenierung wenig von einer philosophischen Durchdringung des Mysteriums von Eros und Tod. Dafür umso mehr von einer nahe liegenden Deutung von Wagners „Hymnen an die Nacht“ als Drama einer unter den Bedingungen dieser Gesellschaft nicht einzulösenden grenzenlosen Liebe. Er erdet die innere Handlung, die gegenüber der äußeren bei weitem überwiegt, indem er Wagner beim Wort nimmt.

Das funktioniert im ersten Akt der Heimfahrt des Brautwerbers Tristan spannend durch die Kunst der kleinen Gesten. Der Moment des Erkennens unter der Zauberwirkung des Liebestranks verfehlt seine Wirkung nicht. Allzu statisch trotz bewegter Drehbühne bleibt die nächtliche Begegnung im zweiten Akt. Ein Liebes-Akt ist das nicht – trotz des Verweises auf kindliche Unschuld und die Vereinigung eines Komparsen-Paares im düsteren Spiegelkabinett mit einer Erdenkugel, die so kalt wirkt wie der Mond, und kosmischem Leuchten durch Lichtschlitze (Bühne: Kathrin-Susann Brose). 

Isolde im dritten Akt in der für Wagner so entscheidenden Dialektik von Enge und Weite, von Tag und Nacht, Licht und Finsternis zum szenisch unschlüssigen Abgesang an der Rampe wie eine Heilige im Stil der Nazarener zu drapieren (Kostüme: Renée Listerdal), wirkt reichlich krude.
Torsten Kerls Tristan erweist sich als Konditionswunder bis in die Fieberschübe im Finale. Metallischer Glanz, lyrischer Schmelz und präzise Artikulation adeln die auf höchstem Niveau bewältigte Heldenpartie. Und zu glänzen versteht auch die englische Wagner-Heroine Catherine Forster, die als Bayreuth-Brünnhilde der letzten vier Jahre, die Gefühlsvolten der Isolde überzeugend beglaubigt. Großartig besetzt sind auch Almuth Herbst leuchtkräftige Brangäne, Urban Malmbergs stark präsenter Kurwenal, Piotr Procheras lauernder Intrigant Melot in einer packenden kleinen Charakterstudie. Der Kanadier Philipp Ens hält als weiser Marke trotz kargem Bass-Fundament und leichter Trübungen im zweiten Akt wacker mit. Das Premierenpublikum feierte die Produktion von Bayreuth-Format mit tosenden, von einzelnen Buh-Rufen für das Regieteam durchsetzten Ovationen.

Recklinghäuser Zeitung

Jubel für Wagners „Tristan und Isolde“

Wagner ist immer ein Wagnis, aber bei „Tristan und Isolde“ wächst Gelsenkirchens Musiktheater über sich hinaus. Der Run auf die Karten ist groß.
Noch kein Takt des „Tristan“ erklungen, aber schon mehr als 5000 Karten verkauft! Was dem „Musiktheater im Revier“ gelingt, dürfte Aalto und Dortmunder Oper derzeit einen neidvollen Seufzer entlocken. Samstag war Premiere, der Jubel gewaltig. Intendant und Generalmusikdirektor, Jungfrauen in Sachen „Tristan“ beide, erklären das Werk zur Chefsache. Das glückt im Falle der Regie von Michael Schulz noch etwas günstiger als mit Rasmus Baumann am Pult der Neuen Philharmonie Westfalen.

Dabei trifft Baumann hier auf ein Orchester, das eine Tugend daraus macht, nicht unbedingt die klassische Wagner-Adresse der Region zu sein. Die beseelten Celli, die köstlich sanglich agierenden Holzbläser samt Englischhorn, ein imposant souveränes Blech: Wie die Musiker hier ein großes „Wir können das!“ anstimmen, ist Zeugnis von Ambition und Ehrgeiz.
Doch Baumann könnte solch kostbare Energie noch besser zur Blüte bringen. Insgesamt klingt sein Wagner respektabel, aber es fällt einem auch Böhms Mahnen ein, dieses Monster sei als „einziges Crescendo“ zu bändigen. Wagners emotionale Elegien geraten Baumann fast betulich, die großen Ausbrüche dirigiert er dagegen auffallend knallig – in der Gefahr des akustischen Strohfeuerwerks.

In den Titelrollen darf die Region ein Ereignis feiern. Torsten Kerls Tristan verrät die gefürchtete Partie keinen Augenblick Richtung Tenorgebrüll. Seine Stimme hat einen dunkel mattierten Bronzeton, und die Kräfte gehen ihm nie aus. Was Kerl im dritten Aufzug noch an Reserven bietet, wie er alles verzweifelte Hoffen des Sterbenden singend erfühlt, ist überragend. Catherine Foster (einst in Essens Aalto- „Ring“ gefeiert) erkundet ihre Isolde als Schwester der Wagner-Geschöpfe Brünnhilde und Senta. Der vokale Furor, mit dem sie (bei kleinen Textproblemen) den ersten Akt regiert, ist überwältigend, aber Michael Schultz’ feine Personenführung belässt ihr auch Ironie und manchen anderen doppelten Seelenboden. Fast fahl ihr Schlussgesang „Mild und leise“. Gestaltungsidee oder doch ein Kräfteproblem?
Gegen solche Wagner-Monolithen müssen tapfere Ensemblesänger erst einmal bestehen, aber Almuth Herbst (eine spielerisch großartige Brangäne) und Urban Malmberg (ein Kurwenal von schlanker Natürlichkeit) halten sich achtbar. Vielleicht liegt es auch an Michael Schultz Sicht auf das Stück, dass Philipp Ens’ etwas rauchig singender König Marke uns noch mehr Randgestalt schien als üblich.

Am „MiR“ ist die Oper keine starre Konzept-Inszenierung - denn die Regie hört Wagner zu. Schultz widmet sich ohne lautes Politisieren (wie zuletzt an Dortmunds Oper versucht) extrem dem Werden und Vergehen dieser berühmtesten aller Opernlieben. Wie sehr diese Liebe Unterpfand einer Männerwelt ist, zeigt schon das Eröffnungsbild (Bühne: Kathrin-Susann Brose). Unten, im düsteren Bauch des Schiffes: Die König Marke versprochene Irin Isolde und ihre Magd Brangäne. Oben, an Deck, leuchtet es hell: stramme Matrosen und ein kühl posierender Tristan. Dieser Mörder ihres Verlobten wird bekanntlich der Mann ihres Lebens – und Sterbens. Der schwarze Mast, an dem Tristan lehnt, wird fünf Stunden später wie ein grabsteinerner Obelisk das Zentrum der Bühne bilden.

Gelsenkirchens neuer „Tristan“ ist keine starre Konzept-Inszenierung, eher ein Zuhören Richtung Wagner, das Bilder entstehen lässt. Michael Schulz respektiert das Grenzenlose dieser Liebe, verheddert sich nicht in Aktualisierungen. Mag der Beginn noch Wagners Zeit sein, wie die Frauenkostüme Renée Listerdals andeuten, führt die Regie mehr und mehr in eine Welt, deren Emotionen so groß sind, dass Raum und Zeit sich verlieren. Frei also unser Blick auf jene Gefühle, die von Anfang an vor dem Horizont des Endstadiums spielen. Nur einmal verrutscht Schulz sein schlüssiger Ansatz in Richtung Kitsch: Ein sexy Paar liebt sich (keusch gelsenkirchnerisch in BH und Pants) zeitgleich zum großen Liebesduett im Aquarium – und raubt einer Kernszene der Oper billig den Fokus. War das der Grund für die Handvoll Buhs am Ende? Aber was wäre eine ordentliche Wagner-Premiere ohne sie?

Westdeutsche Allgemeine Zeitung (Kultur)

In den Sog einer unlebbaren Liebe hineingezogen zu werden, die daraus resultierende Todessehnsucht des Paares zu spüren und mit allen Fasern nachvollziehen zu können - das soll im besten Falle passieren bei Richard Wagners Tristan und Isolde.
Michael Schulz beginnt seine Inszenierung einfach und klar. Kathrin-Susann Brose hat ein stilisiertes Schiff auf die Bühne gestellt. Unter Deck warten Isolde und Brangäne bang darauf, was die Zukunft ihnen bringen wird. Ängstliche Frauen in der Kabine, eine lärmende Schiffscrew darüber. So far, so good. Und dann die erste Begegnung des Hohen Paares: Isolde will Sühne, Tristan ist ohne Zögern bereit, den (vermeintlichen) Todeskelch zu leeren. Doch irgendwie ist nichts zwischen den Beiden zu spüren. Kein Funken von Emotion im Moment des (vermeintlichen) Abschieds voneinander blitzt auf. Isolde fordert eher gemessenen Schrittes ihren Anteil am Trank. Und dann erweist sich das Todes- als Liebeselixier. Aber von entfachtem Feuer ist keine Spur. Kniend wird sich keusch umarmt, ehe König Marke naht.

Und dieser Eindruck sedierter Emotionen setzt sich während des ganzen Abends fort: Leidenschaft füreinander, die auch über den Tod andauern könnte, nimmt man den Protagonisten einfach nicht ab. Großartig beginnt der zweite Akt. Brangäne mahnt auf schwarzer Bühne zur Vorsicht. Eine einzige Leuchtquelle (die „Zünde“) hängt vom Schnürboden herab, pendelt später hin und her. Isolde, beseelt von der Vorfreude auf ein Treffen mit ihrem Geliebten, dreht sie aus der Fassung. Ein absolut treffendes Bild. Und was passiert dann? Tristan und Isolde irren auf einer Drehbühne durch Türen und Spiegel, sehen die Kinder, die sie nie haben werden und halten sich an den Händen. Am Ende überraschen Markes Mannen ein Double-Liebespaar, das sich in einem Schaukasten vergnügt – wie einst in „Nachts im Museum“. Seien wir ehrlich – auch mit Sängern, die mit darstellerischen Fähigkeiten eher nicht besonders gesegnet sind, ließen sich knisternde Erotik und auch Liebe bis in den Tod sicher besser verdeutlichen.

Auch im dritten Akt lässt Schulz kein klares Regiekonzept erkennen. Im Hintergrund ein gefächertes weißes Tuch, fast bis vorn an den Bühnenrand gespannt, befindet sich in der Mitte der Bühne eine schwarze Säule ohne Funktion. Das Ganze weitgehend verdeckt von einem schwarzen, sich horizontal bewegenden Vorhang mit einer Aussparung. Das ist unter ästhetischen Gesichtspunkten durchaus schön anzusehen - einen wirklichen Sinn ergibt diese Bühne jedoch nicht. Tristan wankt mit blutigem Hemd hin und her und Kurwenal deutet mit eher linkischen Gesten mal auf Tristan, mal in Richtung der heran nahenden Schiffe. Und der Liebestod? Isolde singt ihn, dreht sich um und geht in den Bühnenhintergrund. Das klingt sehr nüchtern, aber genauso wirkt es auch.

Nein, Michael Schulz schafft es nicht, sein Publikum wirklich atemlos in die Theatersessel zu drücken. Das gelingt auch den Akteuren auf der Bühne nur bedingt - Philipp Ens legt seinen König Marke weniger nobel und tief enttäuscht an, gibt ihn mit einer Portion Larmoyanz eher die Attitüde eines gebrochenen alten Mannes. Urban Malmbergs Kurwenal ist geradeheraus gesungen, ein Gefolgsmann, wie ihn sich jeder Ritter nur wünschen kann. Einer, der nichts hinterfragt und Gefühle hinter dem unbedingten Treuewillen zurückstellt. Da geht es Brangäne schon anders. 

Almuth Herbst beglaubigt mit einem tadellosen Rollenportrait und stimmlich absolut souverän deren Sorgen um die Herrin und den Zweifel am eigenen Tun. Torsten Kerl gebricht es nicht an Kraft und Standing für den Tristan, doch lässt sein Monolog im dritten Aufzug ein wenig an Differenziertheit vermissen, kommt etwas einförmig daher, dabei klanglich näselnd, was anfangs störend wirkt, woran man sich aber mehr und mehr gewöhnt. Die Wagner-erprobte Catherine Foster taucht tief in ihre Rolle hinein, wenn auch nicht bis ins Letzte: „Unbewusst – höchste Lust“ – auf eine Reise zu den Sternen vermochte sie ihre Zuhörer in ihrem großartigen Schluss-Monolog nicht mitzunehmen. Kerl und Foster: zwei unzweifelhaft hervorragende Sängern, die dieses Mal nicht zu einer unauflöslichen Einheit verschmelzen.

Für die Neue Philharmonie Westfalen unter ihrem Dirigenten Rasmus Baumann ist Wagner eher ein Sonderfall. Denn das Oeuvre des Bayreuther Meisters gehört keineswegs zum Kernrepertoire des Orchesters. Gleichwohl gelingt es Baumann, Spannung aufzubauen, mitunter sogar etwas zu viel und zu intensiv, was sich in krachenden Fortissimi äußert. Auf der anderen Seite macht sich durchaus intime Stimmung breit dank zarter, delikat in Szene gesetzter Farben. Tadellos die Herren des Opern- und Extrachores...
Der Premierenjubel ist enorm, vor allem für die vokalen Hauptrollen. Das Regieteam erntet ein paar Buhs, aber noch mehr Bravi!

theater pur

Ausverkauft bis auf den letzten Platz war in Gelsenkirchens „Musiktheater im Revier“ die Premiere von Richard Wagners „Tristan und Isolde“ – gab es doch in den beiden Titelrollen zwei Opernstars zu erleben, die weltweit zu den besten Wagner-Interpreten zählen: die britische Sopranistin Catherine Foster und den Tenor Torsten Kerl, der übrigens ein gebürtiger Gelsenkirchener ist. Vor allem sie wurden am Ende enthusiastisch gefeiert, obwohl sich das gesamte Ensemble dieser unglaublichen Herausforderung, die Wagners „Tristanmusik“ stellt, bewundernswert gewachsen zeigt.

Wirklich herausragend ist aber vor allem die Leistung des Dirigenten Rasmus Baumann und der Neuen Philharmonie Westfalen. Ihr gelingt es, hörbar zu machen, wie diese Partitur vor 150 Jahren begann, die Musikgeschichte Europas existentiell zu entgrenzen: „Die Wiedergeburt der Tragödie aus dem Geist der Musik“ – so hat Nietzsche diese Musik begriffen – und die existentielle Liebes-not, die Wagner selbst damals überfiel, wird in der musikalischen Interpretation erschütternd hörbar.

Michael Schulz, der als Intendant die Regie selbst übernahm, war klug beraten, nicht die tiefe Hinterbühne zu nutzen, sondern bewusst die Vorderbühne: und so konnte sich der Raumklang viel plastischer im Zuhörerraum entfalten. Das gelingt ihm vor allem in den Akten eins und drei. Den zweiten Akt hat Wagner als sein „Meisterstück“ betrachtet und hier von der „Kunst des Übergangs“ gesprochen, die im Liebesakt gipfelt. Ich erinnere mich an eine Aufführung zu Beginn der sechziger Jahre im gleichen Haus: da sangen die Liebenden unsichtbar in einem Lichtbündel sich umarmend - ein unvergessliches Symbolerleben. Nun aber tasten die Liebenden, auf drehender Bühne, in einer Art Spiegelkabinett umher; vielleicht war es die Szene, der am Ende einige Buhrufe galten?

Auch die jetzige Interpretation wird mir nicht aus dem Kopfe gehen, aber wohl immer an die damalige gekoppelt bleiben: Wagners „Tristan und Isolde“ ist eins der unerschöpflichen, rätselhaften Werke unserer abendländischen Kultur, und wird diese, wie auch immer, überstehen.

Ruhr-Nachrichten

Komplexer Mythos in gerader Erzählweise

Intendant Michael „Furchtlos“ Schulz und Opernstar Torsten Kerl als „Matchmaker“ – er hat eine besondere Beziehung zu Gelsenkirchen – bringen mit  Tristan und Isolde eine höchst komplexe Produktion ins Revier. Mit kleinem Etat schafft das MiR ein künstlerisches Mammutprojekt, vor dem große Theater mit vielfachem Etat zurückschrecken. Der Lohn: Eine starke Tristan-Inszenierung, eine begeisternde Premiere, ausverkauftes Haus für die kommende Vorstellungen und eine Ausstrahlung, welche weit über die Grenzen des Ruhrgebiets wirkt.

Der uralte Mythos um Tristan und Isolde kennt keine Verfasser. Seine Macht bezieht der Mythos aus kollektiver Wahrnehmung, aus Archetypen, nicht aus individuell ästhetisch gestalteten Kunstwerken. Im 5. Jahrhundert fanden fragmentarische Versionen der Legende um Tristan und Isolde ihren Weg in die Literatur der Länder Europas; 1210 veröffentlichte in Deutschland erstmals Gottfried von Straßburg den Versroman Tristan; Adaptionen folgten. Der Zauber des Mythos Tristan ergriff auch den Mythen-getriebenen Richard Wagner schon um 1840. 

Von der mittelalterlichen Sage blieb in der Oper Wagners nur der Name und ein wenig äußerer Rahmen: Wagner machte so Morold zu Isoldes getötetem Verlobten; in der Sage dagegen ist Morold ein irischer Riese, welcher aus Cornwall junge Mädchen und Jungen holt. Wagners unerfüllbare Liebesleidenschaft zu der verheirateten Mathilde Wesendonck wie die Philosophie Schopenhauers waren ihm Schmerz wie Inspiration: Seine Tristan-Komposition wird von Sehnsucht nach  unbedingtem Tod, von schrankenloser Leidenschaften ohne Rücksicht auf Riten und Gesetzen der Welt getrieben; von Gedanken, welche damals wie heute  psychopathische Züge haben, welche als krankhaft im sozialen, als Todsünde im religiösen Sinne gelten.
Richard Wagners Tristan und Isolde wurde 1857 geboren, als die Komposition des Nibelungenringes in eine Schaffenskrise glitt. Doch auch die Schöpfung von Tristan und Isolde sollte von Krisen begleitet werden: Erst im Juni 1865 sollte die Uraufführung in München stattfinden. Die Dichtung zu Tristan hatte Wagner 1857 in wenigen Monaten geschrieben, die Partitur dagegen dauerte Jahre: Das Mystische ist Mittelpunkt der Komposition; dies auszudrücken öffnet Wagner zu romantischer Musik auch das Tor zur Atonalität. Bereits in den ersten sieben Takten des Vorspiels werden alle zwölf Töne der Halbtonleiter verwendet; Mystisches – Auflösung, Verschwimmen, Verdämmern – zeigend. Wagner komponiert in Tristan und Isolde neue, bis dahin unbekannte Klangwelten mit verzehrender Expressivität, ein Gleichgewicht zwischen Ekstase und Stille.

Regisseur Michael Schulz bringt eine wohltuend klassische Inszenierung, in „gerader Erzählweise“ (Dramaturgie Gabriele Wiesmüller), mit griffiger Personenregie, blendender Besetzung und neutralen Kostümen (Renée Listerdal) auf die Bühne des MiR. Fokus sind Psyche, Mystik und Wagners komplexe Partitur. Schulz meidet angestrengte abstrakte Interpretationen auf der Bühne sondern lenkt Blick und Gedanken der Besucher mit konkreter Einfachheit der Bühnenbilder unabgelenkt auf die in Musik und Dichtung deutlich werdende Zerrissenheit der handelnden Charaktere. Im ersten Aufzug: Eine höhengeteilte Bühne (Kathrin-Susann Brose) bildet im Halbdunkel des Unterdecks eine klagende Isolde und Brangäne ab, während über ihnen, auf dem Oberdeck, vor schwarzem Mast (Tristan lehnt wie in Trance an ihm) und hohen weißen Segeln, freudige Seemänner die kommende Ankunft in Cornwall besingen. Sanfte Lichteffekte (Patrick Fuchs) verwischen Bewußtes mit Unbewußtem, stärken das unvergängliche Phänomen der Tristan-Partitur.

Akribisch getragene Eleganz zeichnen Vorspiel wie die folgenden Aufzüge der Neuen Philharmonie Westfalen unter Rasmus Baumann. Sanft wie einfühlsam spielte das Orchester, zumindest zu Beginn der fünf Stunden–Oper, ohne Myterienmalerei. Tristan ist keine leise Oper, die Erfahrungen am MiR waren begrenzt. Und doch gelingt es Dirigent und Orchester die Partitur der so handlungsarmen Oper schon in der Premiere sehr expressiv auszumusizieren, Wagners Werk tonmalerisch zu interpretieren. Ein klagender Junger Seemann (Ibrahim Yesilay) eröffnet das anspruchsvolle Psychodrama im MiR, unsichtbar in lyrisch reiner Unschuld „Westwärts schweift der Blick, ostwärts streicht das Schiff“. Wut, Enttäuschung und Verzweiflung bringt die Bayreuth-erfahrene Catherine Foster als Isolde schon im ersten Aufzug der Premiere, sicher in hochdramatischer aber kontrollierter Diktion, von „Wer wagt mich zu höhnen!“ über das berühmte Liebesduett des zweiten Aufzugs und das „O sink hermieder, Nacht der Liebe“ bis zum gemeinsamen Liebestod und ihrem „Isolde ruft: Isolde kam, mit Tristan treu zu sterben“. Torsten Kerl, weltweit gesuchter Wagner-Sänger, beherrscht seine schwere Partie des Tristan souverän; bei aller Dramatik strahlt auch immer wieder tenoraler Charme in wunderbarem Timbre. Die riesige Partie bewältigt Torsten Kerl kraftvoll wie auffällig textsicher, speziell im besonders fordernden dritten Aufzug, als er mit fiebrigen Visionen, von Melot verletzt, am Boden liegt. Doch auch die MiR Ensemblemitglieder Urban Malmberg als Kurwenal und Almuth Herbst als Brangäne beherrschten in ihren Debüts ihre großen Partien und rundeten mit einem stimmlich sicheren wenn auch etwas salbungsvoll braven Phillip Ens als König Marke die ungewöhnliche Premiere Tristan und Isolde im MiR ab.

Stürmischer Applaus, viele Bravos, Bravas, Bravi des voll besetzten Hauses belohnten Intendant Michael Schulz wie Initiator Torsten Kerl für ihr gewagtes wie erfolgreiches Experiment Tristan und Isolde inmitten des Reviers. Doch auch die Neue Philharmonie Westfalen unter Rasmus Baumann wie die hoch geforderten Ensemblemitglieder des MiR wurden für ihre gelungene Beiträge hörbar belohnt.

ioco.de

Zwischen Abstraktion und „Was wäre wenn“

Bei „Tristan und Isolde“ sitzen wir in der ersten Reihe. Das ist mal eine ganz neue Erfahrung. Weil die Dynamik der Musik, sei es in Form des Orchesterklangs oder der sängerischen Gestaltungskraft, sich doch sehr unmittelbar entfaltet. Und weil der Blick für mimische Details, für Facetten der Bühnengestaltung, ein schärferer ist. So entpuppt sich der Platz hier, im Gelsenkirchener Musiktheater im Revier (MiR), als keineswegs schlechtes Zugeständnis. Fast wähnen wir uns inmitten des Geschehens – still beobachtend, vor allem aber gepackt von der Sogkraft des oft ungezähmten wagnerschen Sehnsuchtstons.

Im Vorspiel entwickelt sich das langsam; unaufgelöste Dissonanzen, schwebende Harmonien gehen erst nach und nach in melodischen Fluss über. Schon hier stellt sich die Frage nach der Intensität, und für die Neue Philharmonie Westfalen unter Rasmus Baumann gilt, dass sie sich etwas gemächlich einschwingt, das Farbspiel der Streicher dabei genussvoll auffächert, um schließlich zu hoher Expressivität zu gelangen.
Später dann, wenn sich dieses Drama der Liebe, des Verrats und der Todessehnsucht verdichtet, wenn die Musik in Ekstase gerät, gibt sich das Orchester diesem Taumel nahezu hemmungslos hin. Im 3. Akt hingegen, wo zunächst die dunkel-schroffen, ja schrundigen Töne herrschen, Ödnis und Leere illustrierend, bleibt die hypnotische Wirkung eher aus, wenn auch die Hirtenklage des Englisch Horns die Szenerie wirkmächtig unterstreicht.
Dennoch: Mitgerissen werden wir allemal. Am stärksten sogar vom Orchesterklang, aber auch von den Solisten. Hier darf das MiR durchaus stolz sein. Mit Torsten Kerl, ein Gelsenkirchener Junge, und der Britin Catherine Foster als Tristan und Isolde wurden international erfolgreiche Solisten verpflichtet, die nicht zuletzt in Bayreuth reüssieren. Beide singen bewegend, überwiegend klar in der Diktion, geschickt haushaltend mit ihren Kräften über die drei Akte hinweg, ohne Scheu, sich zu entäußern, aber auch in lyrisch zartem Ton. Kerl gestaltet mit seinem tief timbrierten Tenor die Mezzopianopartien allerdings ein wenig brüchig, unbestechlich dagegen die leidenschaftlichen Höhen seiner metallglänzenden Stimme. Lust und Schmerz, Eros und Thanatos liegen da ganz eng beieinander, gleißend hell sind bisweilen seine Fiebertöne im 3. Akt.

Foster wiederum wirkt insgesamt kontrollierter, in der tiefen Lage muss sie sich erst freisingen, sonst aber leuchtet diese Isolden-Stimme in schönstem Glanz. Nur am Ende, im berühmten Liebestod, bleibt sie uns manches an Transzendenz schuldig. Ja, wir sind geneigt zu sagen „Plötzlich geht alles ganz schnell“. Was wohl daher kommt, dass anderes ungemein statisch wirkt. Dies aber führt uns auf die Spur der Inszenierung, die MiR-Intendant Michael Schulz verantwortet. Sie ist offenbar geprägt von der Idee, dass Wagners Etikett „Handlung mit Musik“ nicht wirklich zutrifft. Weil das Changieren und Reflektieren seelischer Befindlichkeiten den dürren Fortgang des Geschehens bei weitem überstrahlt.

Zum anderen aber scheint sich die Regie der Überlegung „Was wären wenn…“ hinzugeben: Tristan und Isolde als rechtmäßiges Paar. Beide Ansätze haben Konsequenzen für die Bühnengestaltung und Personenführung – letzthin stehen diese Sichtweisen sich im Weg. 
Und sollen doch im Liebestod verschmelzen – Isolde, im weißen Gewand wie eine würdevolle Priesterin, Isolde aber auch, eine Frau, die verzweifelt und fast appellativ ihr „…wie er lächelt…Freunde…seht ihr es nicht?“ an uns richtet. Diesem Ende wohnt kein Zauber inne.
Wie auch die groß angelegte Liebesnacht-Szene des 2. Aktes ihre Wunderkraft verliert, weil eben hier der Regisseur das „Was wäre wenn…“ optisch ausreizt, indem er Tristan und Isolde in ein Haus schickt, dessen Zimmer sich labyrinthisch verzweigen. Kathrin-Susann Brose hat das Gebäude auf die Drehbühne gestellt – nicht der unendliche Raum einer Liebe bis zum Tod wird vermessen, sondern das Paar begegnet sich selbst als real Liebende. Und nebenan spielen die Kinderlein mit Plüschtieren.
Solcherart Umdeutung ist gewagt und wirkt auch nicht zwingend. Doch Schulz und seine Ausstatterin bevorzugen offenbar das (groß)-bürgerliche Milieu, davon zeugt auch der Raum im Schiffsbau des 1. Aktes mit seinen Kolonialstil-Intarsien, sehr detailverliebt eingerichtet.
Erst am Schluss, wenn der totverwundete Tristan auf einem riesigen, kunstvoll drapierten Stoff dahinsiecht, ist, als krasser Gegensatz, die totale Abstraktion erreicht. Folgerichtig gerinnt der Kampf zwischen Tristans Getreuen und dem Gefolge des betrogenen Königs Marke zu einem stilisierten Schattenspiel. Es ist im Grunde die stärkste Szene dieser Inszenierung.

Nicht zuletzt sei gesagt, dass neben Torsten Kerl und Catherine Foster das hauseigene Ensemble nebst Chor oft zu beeindrucken versteht. Almuth Herbst (Brangäne) als sanft sich sorgende Vertraute der Isolde, die in lyrischer Emphase sehr ausgeglichen singt, ist eine Entdeckung für die Rolle. Urban Malmberg (Kurwenal) aber gestaltet die Partie bisweilen gewollt kraftvoll, nicht ohne raue Untertöne. Und Phillip Ens’ König Marke hat oft Probleme mit der Fokussierung.

„Nehmt alles nur in allem“: Das MiR hat sich einer großen Herausforderung, das sind Wagneropern immer, mehr als achtbar gestellt. Die Karten für diesen „Tristan“ sind äußerst gefragt, für manche Vorstellung gibt’s nur noch freie Plätze unterm Dach. Das Gelsenkirchener Haus ist in der Stadtgesellschaft und in der Politik wunderbar verankert, nicht zuletzt dank der interessanten Repertoireauswahl des Intendanten Michael Schulz. Wo sonst sitzt der Oberbürgermeister, wie hier Frank Baranowski, in jeder Premiere des Theaters? Es muss auch gar nicht die erste Reihe sein.

Revierpassagen

Mit prominenter Besetzung wartet das Gelsenkirchener Musiktheater bei seiner Neuproduktion von „Tristan und Isolde“ auf. Catherine Foster gehörte schon zum Weimarer Ensemble des in nun in Gelsenkirchen inszenierenden Intendanten Michael Schulz. Heldentenor Torsten Kerl begann seiner Karriere in den 90er Jahren als lyrischer Tenor in Gelsenkirchen.

Die beiden Gäste stürzen sich mit viel Begeisterung in ihre Rollen und reißen das Publikum nach der Aufführung zu stehenden Ovationen von den Sitzen. Catherine Foster singt eine dramatisch-kraftvolle und an vielen Stellen textverständliche Isolde. Torsten Kerl besitzt eine baritonal fundierte Stimme. Beide Sänger gestalten ihre Rollen im ersten Akt in den Dialogen sehr pointiert und steigern sich im Liebesduett des zweiten Aktes zu großer Form. Während Foster im ersten Akt furios Isoldes Rachephantasien gestaltet, kann Kerl im dritten Akt mit Tristans verzweifelten Fieberträumen auftrumpfen.

Mit viel lyrischem Schöngesang gestaltet Almuth Herbst die Brangäne, während ihr die dramatischen Ausbrüche nicht liegen. Von seiner Körperhaltung stellt Urban Malmberg den Kurwenal als kauzigen Typen dar, singt ihn aber mit hellem und elegantem Bariton. Phillip Ens als Marke besitzt wenig Bassfundament und wirkt in der Höhe zu angestrengt.

Mit jugendlichem Feuer und Überschwang dirigiert Rasmus Bauman die Neue Philharmonie Westfalen. Nicht einmal 80 Minuten dauert bei ihm der erste Akt. Für die gesamte Vorstellung benötigt er gerade einmal vier dreiviertel Stunden. In den großen orchestralen Ausbrüchen könnte er manchmal etwas mehr Rücksicht auf die Sänger nehmen, das Liebesduett des zweiten Aktes dirigiert er mit viel Sinn für die Aufschwünge und Ruhephasen der Musik.
Bei vielen Inszenierungen von „Tristan und Isolde“ ärgern sich die Zuschauer über die Einfälle des Regisseurs, in Gelsenkirchen besteht diese Gefahr aber nicht, weil sich Intendant Michael Schulz nur sehr wenig hat einfallen lassen. Zwar ist es ja lobenswert, wenn ein Regisseur das Stück in den Mittelpunkt stellt und die Geschichte verständlich erzählt, aber ein paar eigenständige Akzente wünscht man sich doch.
Das Bühnenbild von Kathrin-Susann Brose ist im ersten und letzten Akt so sparsam gehalten, dass man da vielleicht sogar noch weiter hätte reduzieren können. So ist im ersten Akt das Bühnenbild in Ober- und Unterdeck aufgeteilt. Sowohl die Requisiten im Unterdeck, als auch die mit Tüchern verhängten Gerüste auf dem Oberdeck sind aber verzichtbar.

Im zweiten Akt erlauben sich Regie und Bühne immerhin ein paar eigene Akzente: Das Liebesduett beginnt vor einer Sternenwand, dann begibt sich das Paar in ein Kinderzimmer und erträumt sich eine heile Familie. Zum Höhepunkt des Duettes darf ein Statistenpaar das erotische Potenzial von Wagners Musik auch in die Tat umsetzen, während Foster und Kerl dazu singen. Immerhin kann man sich diese Aufführung, auch wenn man von ihr nicht begeistert ist, noch ein zweites Mal anschauen, weil sie Wagners Musik und den Sängerinnen und Sängern genügend Raum lässt. Ein weiterer Grund für ein Zweitbesuch ist die attraktive Zweitbesetzung: Ab April übernehmen Yanima Maamar und Gerhard Siegel die Titelrollen.

Der Opernfreund

Es ist schon ein Luxus, wenn nicht einmal in 50km Entfernung zwei Opernhäuser zur selben Zeit Wagners Oper „Tristan und Isolde“ anbieten. So geschehen jetzt in Essen und Gelsenkirchen. Wenn aber dann in beiden Häusern Wagners Melodram um Liebe und Tod musikalisch so überzeugend über die Rampe kommt, dann dürfte auch der stirnrunzelnde Steuerzahler ein Einsehen haben. Ein Zuhörer meinte in der Pause: „Das ist ja Bayreuth in Gelsenkirchen!“ Sollte das möglich sein?

Doch, ein Hauch von Bayreuth wehte in der Tat durch das stimmungsvolle Musiktheater im Revier, denn mit Catherine Foster als Isolde und Stefan Vinke als Tristan standen in der zweiten Aufführung von Wagners Oper ein Sängerpaar auf der Gelsenkirchener Bühne, die in diesem Jahr in Bayreuth als Brünnhilde und Siegfried auf dem grünen Hügel zu erleben sind.

Stefan Vinke wird mittlerweile als Wagnerinterpret an allen großen Bühnen Europas gefeiert und umjubelt. Und das völlig zu Recht. Mit seinem baritonal eingefärbten Heldentenor gestaltet er die mörderische Partie des Tristan, die an der Met schon einmal gleich drei Tenöre für die einzelnen Akte verschlissen hat, mit einer Stimmkraft, Klangschönheit und Textverständlichkeit, die ihres gleichen sucht. Wie er die ekstatischen Aufschwünge und Fieberphantasien des dritten Aktes mit nie nachlassender Intensität meistert und sich dabei auch gegenüber dem nicht gerade sängerfreundliche Dirigat von Rasmus Baumann behauptet, ist einfach phänomenal. Dabei singt er immer auf Linie, differenziert wunderbar und verströmt im Liebesduett des 2. Aktes  Wohlklang pur. Schwer vorstellbar, wer außer Stephen Gould diese Partie im Augenblick besser singen soll.

Catherine Foster als Isolde steht Vinke kaum nach. Beeindruckend sind vor allem ihre durchschlagenden Spitzentöne, die sich dem Zuhörer wie Fanfaren ins Gehör brennen und auch den größten Tuttiklang des Orchesters mühelos überstrahlen. Dass sie ihre Stimme zurücknehmen kann,  wie ein Mezzosopran über dunkel-erotische Pianotöne  verfügt, zeigte sie nicht nur im Liebesduett des 2. Aktes, sondern vor allem auch bei Isoldes Liebestod „Mild und leise wie er lächelt“. Schade nur, dass auch hier Rasmus Baumann das Orchester nicht zurückhielt und so Frau Foster in ihrer Interpretation wenig unterstützte.

Almuth Herbst als Brangäne, Urban Malberg als Kurwenal, vor allem aber Dong-Won Seo als schmerzerfüllter, gebrochener König Marke füllten ihre Rollen  gut aus und trugen so zu dem großen musikalischen Erfolg des Abends bei. Dies gilt auch mit Einschränkungen für das Dirigat des Gelsenkirchener Generalmusikdirektors Rasmus Baumann, der mit zügigen Tempi und großer Emotionalität den nicht gerade Wagner erprobten Musikerinnen und Musikern der „Neuen Philharmonie Westfalen“ vor allem im 2. Akt  einen mehr als achtbaren Tristanklang entlockte, wobei vor allem die Bläser immer wieder zu überzeugen wussten. Dass die Balance zwischen Orchester und Sängern nicht immer stimmte, mag vielleicht auch daran liegen, dass der Tristan seit sage und schreibe 25 Jahren am Musiktheater im Revier nicht mehr zu hören war.

Kontrollierte Ekstase

Wie viel Pragmatismus verträgt dieses maßlose Werk? Erstaunlich viel. In Gelsenkirchen, das zwar eines der schönsten Musik-Theater des Landes stolz erhält, aber nicht als Hauptort der Wagnerpflege gelten kann, gräbt Intendant Michael Schulz überraschend wenig nach finsteren Subtexten, so wie Kollege Jens Daniel Herzog ein paar Kilometer Ruhrgebiet weiter in Dortmund, der Marke als Systemmacht des Bösen zeigte. Hier gibt Phillip Ens den noblen Betrogenen, wie wir ihn kennen, mit diversen Tönen, die sich nicht zum großen Mann fügen wollen.

Den Pragmatismus des Gelsenkirchener Tristan unterstreicht, dass Schulz mit Catherine Foster und Torsten Kerl amtierende Wagner-Größen an die Emscher geholt hat und ihnen reichlich Platz an der Rampe gibt, um zu zeigen, was sie können. Und das ist viel. Torsten Kerl, dessen gepflegte baritonale Grundfärbung unter Dauerforte-Stress enger, durchdringend, aber auch glanzloser gerät, gebietet über eine bewundernswerte Kontrolle im dritten Akt; alles gesungen, kein Heldentenorsterben. Welche Reserven an Strahlkraft Catherine Foster noch hätte, wird deutlich, wenn sie im zweiten Akt von Frau Minne singt und auf einmal betörende Töne hervorzaubert. Den Anfang gab sie als langen Zornesanfall. Vielleicht war sie wirklich wütend; auf sich, wegen eines Texthängers gleich zu Beginn. Wie sie sich in eine vor Ohnmacht rasende Iren-Prinzessin verwandelte, war furchterregend eindrucksvoll. Was kann dagegen Brangäne ausrichten, die Vertraute? Almuth Herbst spielt oder muss spielen: die ewig Treuherzige; ihr schön balancierter Mezzo weiß mehr von der Figur. Der Kurwenal von Urban Malmberg kann oder darf mehr zeigen, nämlich allerhand komische Zwischentöne zuerst und einen rührend Überforderten zuletzt. Eine feine, eigene Charakterstudie. Daneben Piotr Prochera mit einem scharf konturierten Melot.

Intendant Schulz hat also clever besetzt, auch dass er einen Wagner mit wenig Chor wählte, war klug. Regisseur Schulz enthält sich der Ambition auf prätentiöse Großdeutungen; vermutlich würde ihn die «Süddeutsche Zeitung» zu den neuen Interpretationsverweigerern zählen. Aber das wäre ungerecht. Zwar hält er sich an die Geschichte, hält indes Einheitsbilder nicht per se für genial und lässt Kathrin-Susann Brose mit viel Drehbühneneinsatz für Abwechslung sorgen. Der erste Akt zeigt nur Ober- und Unterdeck, ferner eine schwarzglänzende Todesstele, die im dritten zum Fluchtpunkt eines großen Schwarz-Weiß-Bildes taugt. Dazwischen nun aber jenes berühmte Liebesduett, das wir einfach so nennen, das aber soviel komplizierter ist – und in dem die Liebenden ja gerade nicht auf die übliche Opernweise synchronisiert werden. Bei Wagner singen sie sehr subtil auch aneinander vorbei, wenn etwa Isolde sein «so starben wir» fein rätselhaft als «so stürben wir» aufnimmt. Dass die Musik schließlich, bevor das Licht angeht in dieser Liebesnacht, doch wohl Sexuelles bedeutet, wird mit Doubles etwas platt vorgeführt. Doch vor dem Schlafzimmer gibt’s ein Kinderzimmer; die Wechselrede von Tristan und Isolde wird in eine Art Projektionskammer verlegt, das Ganze ist ein Spiegelkabinett, dessen Rückseite die Maschinerie des Trugs andeutet. Wir erblicken eine Art Todesplanetenkugel, mit der die beiden freilich nicht viel anfangen. Immerhin, die Regie öffnet, diesseits des Genialen, Assoziationsräume, freundlich anregend, das ist mehr als nichts.

Schulz gibt nicht den Rätselmeister, und Rasmus Baumann, Chef der Neuen Philharmonie Westfalen, nicht den Entfesselungskünstler. Er hält den Laden zusammen. Dem Orchester sitzt keine eigene Wagnertradition im Nacken. Es gibt keine Ekstasen, aber Momente. Das Vorspiel zum Endspiel gelingt ergreifend, mit großem Atem, und das Englischhorn hat man schöner, verlorener selten gehört.

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