2023-24

singing

opera

3.Akt - Maria Josefa

3.Akt - Bernarda Alba

1.Akt - Maria Josefa, Violeta, La Poncia

2.Akt  - Martirio, Adela, La Poncia, Bernarda Alba

2.Akt - Magdalena, Amelia, Martirio, Adela

Bühne

Inszenierung

Maria Josefa (80 Jahre) 

Musikalische Leitung

Bernarda Alba (60 Jahre)

Video

Magdalena (30 Jahre) 

Amelia (27 Jahre)

Kostüme

Violeta, eine Magd (50 Jahre) 

Licht

Martirio (24 Jahre) 

Großes Haus

Adela (20 Jahre)

La Poncia (60 Jahre) 

Angustias (39 Jahre)

Chor

Dramaturgie

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Bernarda Alba - D-a36718

Bernarda Alba - D-abd385

Bernarda Albas Haus

2022-23

Programmheft zu "Bernarda Albas Haus"

Beim Mutter-Monster zu Tisch -  sensationelle Neuinszenierung von Reimanns Psycho-Thriller

<div>Mehr geht immer! Wem das singende Psycho-Trio der drei Protagonistinnen in Strauss Elektra schon zu heavy ist, der sollte sich vor Aribert Reimanns vor knapp 23 Jahren an der Bayerischen Staatsoper uraufgeführter Oper Bernarda Albas Haus besser hüten; hier sind es nämlich gleich neun Frauen, die sich gute zweieinviertel Stunden lang beharken; und am Ende kommt nichtmal ein Rächer um die Ecke, der den Laden bassbaritonal durchlüftet… Nach der reinen Männer-Oper Billy Budd im April präsentiert das MIR nun als Gegenstück eine reine Frauen-Oper und landet einen grandiosen, ja geradezu sensationellen, Erfolg, einen Musiktheaterabend der Marke „unvergesslich“, eine Aufführung, bei der alles stimmt und die auch des Kulturschocks Erinnerung an die Münchner Premiere beinahe noch toppt.Die literarische Vorlage, das gleichnamige Sprechstück von Federico Garcia Lorca in der deutschen Übersetzung von Enrique Beck, wurde vom Komponisten quasi eins-zu-eins übernommen und mit psychologischer Präzision und musikdramatischer Suggestivkraft in Musik gesetzt, wobei einige prägnante Instrumentalfarben zu Leitklängen für bestimmte Figuren und Konstellationen werden. Die äußerst ungewöhnliche Orchesterbesetzung besteht aus drei Klangblöcken: vier Klavieren – zwei davon mit präparierten Seiten – einer Bläsersektion aus allen Flöten, Oboe, Trompete, Posaune und Tuba sowie, als einzigen Streichern, zwölf Celli. Ein Orchestersatz, der auf extreme Transparenz, Durchhörbarkeit und Textverständlichkeit ausgelegt ist und, von ganz wenigen Momenten wie dem Totenglockenmotiv, mit dem die Oper beginnt und endet, abgesehen, nicht illustriert, sondern Seelenzustände und Emotionen hörbar macht. Wie von Reimann gewohnt, ist die Musik hochkomplex, zugleich aber durchhörbar, suggestiv und ungemein farbenreich, ein System klanggestalterischer Nervenbahnen, die das gesamte Stück durchziehen.Lorca und Reimann zeichnen das düstere Bild einer bürgerlichen Familienhölle im Spanien des Jahres 1936 kurz nach Beginn des Bürgerkrieges. Mit der Beisetzung des jüngst verstorbenen zweiten Ehemanns Bernardas verfügt diese eine achtjährige (!) Trauerzeit, in der absolute Abgeschiedenheit, Stille und Selbstaufgabe zu herrschen haben, ein emotionales Schreckensregime, dem sich auch die fünf Töchter und der gesamte Haushalt unterzuordnen haben. In diesem Haus des Grauens gedeihen verständlicherweise nur die schlimmsten Seiten des Menschen: Angst, Beklemmung, Neid, Missgunst, Eifersucht, Intrigen, Denunziantentum und blanker Hass auf alles und alle, ein hochexplosives Psychogemisch, das jeden Moment hochgehen kann. Selbstverwirklichung und Erwachen finden nicht statt, jeder Anflug von Sinnlichkeit, Begehren oder erotischen Wünschen wird brutal unterdrückt bis es schließlich zur finalen Katastrophe kommt. Männer kommen hier natürlich nur als Projektionsflächen und ferne Wesen vor; bis auf den einen mit dem wunderbar romantisch-mediterran klingenden Namen Pepe el Romano, der nicht auftritt, als Sehnsuchtsfigur aber omnipräsent ist. Jener ist der ältesten Tochter Angustias zum Ehemann vorgesehen, wird aber auch von Martirio und Adela, den beiden jüngsten, erotisch begehrt, letztere ist bereits von ihm schwanger.Für solche Stoffe kann es auf der Musiktheaterbühne bekanntlich nur einen geben, nämlich Altmeister und Kultregisseur Dietrich W. Hilsdorf. Mit geradezu chirurgischer Präzision und theatraler Intensität legt Hilsdorf die Beziehungsgeflechte, die Neurosen und unterdrückten Persönlichkeiten der Protagonistinnen frei und läßt ihren Konflikten gnadenlos freien Lauf; und zwar ohne Übertreibungen und aufgesetzte Hysterie. Zugleich macht er auch deutlich, dass diese Dystopie weit über das Haus und seine Bewohnerinnen hinausgeht, bzw. dass diese nur symbolisch für eine kranke Gesellschaft an sich stehen, die am Ende mit Adelas provoziertem Suizid und der verschärften Abkapselung der Zwangsgemeinschaft regelrecht implodiert. Das live und auf der Bühne vorgeführt zu bekommen und mitzuerleben, tut beinahe physisch weh und rüttelt phasenweise schon an der Fiktionsgrenze. Dazu hat Dieter Richter einmal mehr ein kongeniales Bühnenbild geschaffen, bestehend aus zwei nach hinten länglichen, aber unterschiedlich tiefen, Räumen. Der linke ist die Sphäre der Dienstboten, mit nacktem Beton, derben Stühlen und einem Waschbecken, der rechte beinhaltet den bürgerlichen Salon, altmodisch und auf eine merkwürdige Art pompös mit Esstisch, Klavier, Spiegeln und Bildern, darunter dem Porträt von Bernardas Mann in Falangistenuniform. Getrennt werden diese Segmente durch eine Art Erker mit Türe und einem kleinen Balkon und einem Heiligenbild darüber, eine dezente Spanien-Reminiszenz. Die strengen Kostüme von Nicola Reichert tragen zur Charakteristik ebenso bei wie die Lichtregie von Mario Turco.Auch die Besetzung ist handverlesen und dazu fast zur Gänze aus dem eigenen Ensemble des MIR rekrutiert. Alle kommen mit Reimanns spezifischem Vokalstil, den immer wieder abkippenden Vokallinien und dem Wechsel von Singen, Sprechen und diversen Zwischenstufen, bestens zurecht. Als Bernarda gibt die stets faszinierende Almuth Herbst ein Muttermonster, dessen Hartherzigkeit und Unnachgiebigkeit sogar Klytämnestra oder Janačéks Kostelnička wie freundlich empathische Damen wirken lässt. Die emotionale Eiseskälte dieser Frau macht einen schaudern, wie Herbst ihrem sonst so sinnlich lodernden Mezzo unnachgiebige Härte und seelenschwarze Deformationstöne entlockt, ist ebenso großartig wie beunruhigend, offenbart aber zugleich auch die innere Tragik der Matriarchin, die mit Gewalt versucht, etwas zu unterdrücken, was sich längst nicht mehr unterdrücken lässt und eine bürgerliche Fassade zu behaupten, wo emotional längst kein Stein mehr auf dem anderen steht. „Schweigen! Schweigen habe ich gesagt, Schweigen!“ lautet ihr letzter Satz, mit jedem Befehl steigert Herbst die Anspannung, bis nahe an die Grenze des Erträglichen.In der Sprechrolle ihrer dementen alten Mutter Maria Josefa – in München seinerzeit noch von Inge Keller kreiert – ist dem MIR mit der Verpflichtung von Mechthild Grossmann ein besonderer Besetzungscoup gelungen; mit sparsamer Gestik, großer Präzision und dem ganzen Nuancenreichtum ihrer unverwechselbaren Stimme leuchtet Grossmann die poetisch abgehobenen, teilweise auch bizarren Texte aus bis ins Letzte und bleibt vollkommen klischeefrei in Sprache und Spiel. Eine besonders interessante Figur ist die Dienerin La Poncia, die ein seltsam disparates Verhältnis zwischen Komplizentum und Querköpfigkeit Bernarda gegenüber pflegt, auch wenn letztere dies rundheraus zurückweist: „Vertrauen wir uns? – Nein, Du dienst und ich bezahle Dich. Das ist alles“. Sabine Hogrefe macht diesen Zwiespalt durch ihr präsentes, hintergründiges Spiel beklemmend glaubhaft und ist auch mit ihrem dramatischen Sopran eine Setzung in Bernardas Horrorhaus.Die fünf Töchter gewinnen nicht nur durch die pointierte Inszenierung Profil, sondern auch durch die sängerischen Persönlichkeiten. Lina Hoffmann als Angustias ragt nicht nur aufgrund ihrer Körpergröße wortwörtlich aus dem Ensemble heraus, als einziges Kind aus erster Ehe und Erbin des Vaters ist sie eine Außenseiterin im Haushalt und sich dieser Rolle auch sehr bewußt; prägnant gestaltet Hoffmann das schleichende Entsetzen, wenn ihre Zukunftsplanung einer arrangierten Heirat mit Pepe el Romano allmählich bröckelt. Die beiden mittleren Töchter sind im Stück etwas weniger deutlich gezeichnet, doch Bele Kumberger (Magdalena) und Margot Genet (Amelia) gestalten ihre Charaktere im Wechselspiel zwischen Unterwürfigkeit und versuchter Selbstbehauptung und machen sich damit ungewollt zu Komplizinnen der Über-Mutter. Seine Zuspitzung findet der Konflikt schließlich im neid-, geradezu hasserfüllten Verhältnis der beiden jüngsten Schwestern Martirio – nomen est omen – und Adela. Die junge Sopranistin Soyoon Lee, derzeit noch Mitglied des Opernstudios NRW, ist als Martirio ein weiterer Glücksfall für die Inszenierung. Auf den ersten Blick von fragiler Konstitution und körperlich gehandicapt, entfaltet sie erst nach und nach die ganze Gemeinheit und Zerstörungskraft ihres Wesens, ihre Intrigen und Denunziationen sind für Adelas Suizid zumindest mitverantwortlich. Daran, dass in ihr eine zweite Bernarda heranwächst, gibt es keinen Zweifel. Den einzigen echten Ausbruchsversuch unternimmt Adela, ihr Scheitern und ihr Tod zerbrechen jeglichen Hoffnungsgedanken. Diese tragische Ambivalenz legt Katherine Allen in ihr Spiel und ihren sinnlich aufblühenden Vortrag, beinahe weht ein Hauch Belcanto durch die klaustrophobische Enge des Hauses. Und last but not least gibt Anke Sieloff, langjährige Stütze des MIR-Ensembles, mit der namenlosen Magd einen weiteren in sich und der trostlosen Atmosphäre gefangenen Charakter.Am Pult der Neuen Philharmonie Westfalen agiert mit Johannes Harneit ein bewährter Fachmann für die musikalische Moderne. Sein Dirigat ist ebenso präzise wie vielschichtig und zeichnet die komplexen klangfarblichen und musikdramaturgischen Strukturen von Reimanns Partitur sinnfällig nach, ohne jemals akademisch oder maniriert zu klingen.Im Guide Michelin wird die Wertung mit Drei Sternen bekanntlich mit „Eine Reise wert“ definiert; das gilt auch für diese fantastische Produktion. Opernfreaks von nah und fern – bucht Eure Tickets, kommt in den Ruhrpott und erlebt Bernarda Albas Haus! Ja, es ist harter Opernstoff, aber es lohnt sich!</div>

fabiuskulturschockblog

Gefühle bis zum Wahnsinn

<div>Kein Mann weit und breit. Dafür neun Frauen, eingesperrt in einem Haus in Andalusien, kurz vor Ausbruch des spanischen Bürgerkriegs. Hier ist Bernarda Alba die Alleinherrscherin. Sie unterdrückt ihre fünf Töchter, schikaniert die beiden Mägde, hält ihre greise, verwirrte Mutter wie eine Gefangene. Verwegen hoch hat das Gelsenkirchener Musiktheater mit dieser Neuproduktion von Aribert Reimanns Oper „Bernarda Albas Haus“ gezielt. Das Stück, das vom Leid der Frauen in spanischen Dörfern erzählt und auf dem gleichnamigen Drama von Federico García Lorca beruht, war mehr als zwanzig Jahre nicht mehr auf der Bühne zu erleben. Die Pause erklärt sich durch den gewaltigen Anspruch, sowohl für die Hörer als auch für die Sängerinnen, die sich immerzu in stratosphärische Höhen schrauben müssen. Wer wagt, gewinnt: Der Schuss sitzt perfekt. Regisseur Dietrich W. Hilsdorf zeigt uns ein Tollhaus der unterdrückten Begierden, einen Hort der Hysterie. Mit einem gellenden Schrei der eingesperrten Großmutter beginnend, hetzt die Handlung los. Wie das vor dem Blitz scheuende Pferd – ein Bild an der Wand zitiert das berühmte Gemälde von Eugène Delacroix – galoppiert das Stück kopflos der Katastrophe entgegen. Wer wüsste Bigotterie und Hartherzigkeit besser zu sezieren als Regisseur Dietrich W. Hilsdorf? Sein psychologisches Gespür findet noch in der kleinsten Gesichtsregung Ausdruck. Menschliche Abgründe reißen auf: Wo unterdrückte Begierde schwelt, wo sich die Frauen nach dem Dorfliebling Pepe el Romano verzehren wie nach einem unsichtbaren Gott, treiben Machtspiele, Missgunst und Verrat bizarre Blüten. Das Bühnenbild von Dieter Richter verbindet Innen- und Außenwelt in düsterer Strenge. Eine Kapelle ist Mittelachse zwischen zwei Räumen, die den Klassenunterschied zwischen Familie und Dienstboten zeigen. Schattenhaft huschen Videobilder marschierender Soldaten über die Wände. Offensichtlich fest entschlossen, sich an diesem Premierenabend selbst zu übertreffen, peitschen die Sängerinnen die Gefühle hoch bis zum Wahnsinn. Sie stacheln sich gegenseitig an, laden Reimanns nervös zuckendeIntervallsprünge mit Erregung auf, entäußern sich in einer Höhenregion, in der selbst der Lulu von Alban Berg schwindelig werden könnte. Im Verbund mit der Regie gelingen Charakterstudien, die es leicht machen, die fünf Schwestern auseinander zu halten. Mit schneidendem Stahl in der Stimme, aber auch voll abgründiger Tiefen ist Almuth Herbst die Personifikation der tyrannischen Matriarchin. Wie Lina Hoffmann die älteste Tochter Angustias zeichnet, ist psychologisch grandios. Hasserfüllt und hochfahrend zugleich, begehrt sie gegen die Mutter auf, wird ihr dabei aber erschreckend ähnlich. Als Gast bringt die australische Sopranistin Katherine Allen (Adela) die glutvollen Farben einer leidenschaftlich Liebenden ins Spiel. Magdalena (Bele Kumberger) und Amelia (aus dem Opernstudio: Margot Genet) und die Magd Violeta (Anke Sieloff) erfüllen ihre etwas kleineren Partien ebenfalls mit hoher Ausdruckskraft. Als Magd gibt Sabine Hogrefe (La Poncia) der Haustyrannin stimmlich eindrucksvoll Kontra. Mechthild Großmann, Grande Dame des Theaters, erhebt die Sprechrolle der Großmutter mit ihrer ikonischen Stimme zum Porträt einer weisen Närrin. Das mit präparierten Klavieren, Holzbläsern und zwölf Violoncelli ungewöhnlich besetzte Orchester unterstreicht das Geschehen unter der Leitung von Johannes Harneit mit einer akustisch bedrohlichen Kulisse. Aus den Klavieren tönen dumpfe Schläge, die rasch erstickt werden. Die Celli stimmen stöhnende, zuweilen auch delirierende Klänge an. Der große Überraschungscoup des Abends gelingt Soyoon Lee aus dem Opernstudio. Von Statur überaus zierlich und klein, lässt sie die Figur der fünften Tochter Martirio mephistophelisch anschwellen. Dem devoten, buckligen, verhuschten Wesen entsteigt eine intrigante Teufelin, die stimmlich schier explodiert. Über das schlimme Ende befiehlt Bernarda eisernes Schweigen. Das Premierenpublikum aber jubelt: mit vollem Recht.</div>

Westdeutsche Allgemeine Zeitung (Kultur)

Erdrückend gut!

<div>Das Musiktheater im Revier bringt Aribert Reimanns „Bernarda Alba“ nach 20 Jahren erstmals wieder auf eine europäische Bühne. Und mit Erfolg. Die Regie von Hilsdorf konzentriert sich auf die menschlichen Konflikte, die eine grausam despotische Witwe unter ihren fünf charakterlich völlig unterschiedlichen Töchtern auslöst. Ein grandios besetztes Solistenensemble macht die Verzweiflung der einzelnen hautnah erlebbar. Dirigent Johannes Harneit, selbst Komponist und Spezialist für neue Musik, katapultiert Reimanns gewöhnungsbedürftige Klänge impulsiv aus dem Graben, um die psychotischen Zustände am Rande der Verzweiflung zu begleiten. Es ist ein hartes, aber faszinierendes Stück und löst in der Premiere großen Jubel aus. Zu Recht! Oper muss nicht kulinarisch sein, um zu packen und zu begeistern. Das Gegenteil ist oft der Fall und gerade in Gelsenkirchen im Theater im Revier zu erleben. Auch wenn Komponist Reimann das Orchester eigenwillig rekrutiert hat. Vier präparierte Flügel, als Streicher nur zwölf Celli, die in hohen Lagen aber wie Geigen klingen dürfen. Dazu eine Flöte, mit ihren Familienmitgliedern Piccolo-, Alt- und Bassflöte, Klarinetten, darunter Bassetthorn, Bass- und sogar Kontrabassklarinette, dazu drei Posaunen und drei Tuben. Ein irrealer Orchesterapparat, liefere aber, so Reiman, sowohl den harten Grund für das Haus, aus dem es kein Entkommen gibt, als auch für das, was hinter den Personen stehe. Solistische Melodien bis harte Posaunen-Riffs , Begleitung, Kommentar, Melodram, alles da, vor allem ist die Farbe des Irrsinns zu hören. Oft subtil, mal auch verstörend elegisch, dann wieder eruptiv.Der erste verrückte Schrei gellt übrigens aus dem Off. „Bernarda“! Ein gelungener Theatergriff des Komponisten, der das originale Stück von Federico Garcìa Lorca (1936) mit originalem Text aus der deutschen Übersetzung bearbeitet und umgestellt hat. Kurz vor seiner Ermordung durch die Falangisten hat Garcìa-Lorca die Frauentragödie „La Casa de Bernarda Alba“ übrigens nach einer realen Schilderung in einem andalusischen Dorf fertiggestellt!Und es spricht Bände, dass eine Verrückte die einzige ist, die tatkräftig ihre Freiheit einfordert. Der Schrei kommt von Mutter Maria- Josefa, die Bernarda immer wieder herausfordert. Eingeschlossen wie ihre Töchter. Keine Luft hat zum Atmen. Aber bis auf die jüngste Tochter begehrt keine auf. Statt dessen giften sie sich gegenseitig an, beobachten sich, denunzieren, hintertreiben, lügen, und treiben die jüngste Tochter in den Selbstmord.Die grausame Folgerichtigkeit dieser 2000 an der Münchener Staatsoper uraufgeführten Oper macht Dietrich W. Hilsdorf leibhaftig und packend durch seine Personenregie in räumliche Personenkonstellationen umgesetzt, die die Spannungsverhältnisse in eine realen Situationen stattfinden lassen. Keine Metadeutungen, sondern Realismus, auch in den Kostümen (Nicola Reichart) der Zeit angepasst, in der die Vorlage entstanden ist. Seit langem mal wieder ein Hilsdorf-Team-Höhepunkt. Und kein Charakter bleibt nur schwarz oder weiß. Selbst die Haustyrannin (mit souverän tönendem Mezzo Almuth Herbst) lechzt in dieser Regie letztendlich nach Liebe. Als ihr die jüngste Tochter einmal über den Kopf streicht, fährt sie wie in Trance mit ihrer Hand auf die Stelle, zeigt Rührung und hält inne. Als eben diese Tochter als Tote aufgebahrt wird, brechen ihr die sonst starken Beine kurz weg und sie muss sich am Stuhl festhalten. Hisldorf wie auch die Musik machen deutlich, dass sie leidet, nicht aus ihrer Haut kommt und aus dem Zwang, den Schein, die Fassade wahren zu müssen. Grobheiten den Dorfbewohnern gegenüber – sie sind ganz am Anfang zu einer Trauerfeierlichkeit ins Haus geladen – sind ihre Art Waffe. All diese Facetten lässt Almuth Herbst in der Titelrolle (siehe Titelbild) auch aufscheinen. Menschliche Momente, die wir kennen, und denen Dieter Richter mit einem Tryptichon-Bühnenraum einen Spiel- und Leidensort geschaffen hat, mit einem Balkon, von dem der Blick nach draußen vergeblich Freiheit verheißt.Die Töchter sind allesamt hohe Sopranstimmen, die ordentlich hysterisch werden können, aber differenzierte Charaktere darstellen, die in dieser Inszenierung auch musikalisch deutlich werden. Lina Hoffmann gibt Angustias, die älteste Tochter, die mit Pepe – er taucht im Stück nicht auf – verlobt ist, der aber der Geliebte ihrer jüngsten Schwester ist. Bele Kumberger spielt Magdalena, die sanfteste, die ihre Schwestern aber auch ganz schön anpfeifen kann. Margot Genet als Amelia und Soyoon Lee sind Verbündete. Syoon Lee gibt mit runterhängendem vorgeschobenen Kiefer und Buckel – sie ist behindert – eine debile, ist aber eine durchtriebene und widerlich intrigierende Person. Mit hohen Koloraturen, spitz und wenig liebevoll, täuscht sie die Unschuldige vor. Katherine Allen verkörpert Adela, die Geliebte Pepes, die an die Kraft der Liebe glauben und fliehen will; nach der Lüge von Martirio, Pepe sei von der Mutter erschossen worden, erhängt sie sich. Auch die Magd La Poncia steht im Zentrum, ganz wunderbar Sabine Hogrefe, die verhärmt, aber selbstbewusst und ehrlich immer wieder Bernarda auf etwas hinweist und dann klein beigibt. Anke Sieloff als Scheuerfrau trägt ebenfalls wesentlich zu diesem gelungenen Abend bei. Wie auch Mechthild Grossmann, bekannt als Staatsanwältin im Münsteraner Tatort, die mit gewohnter Reibeisenstimme der Sprechrolle der Mutter Maria-Josefa zu großer Wirkung verhilft. Nach ihren gellenden Schreien zu Anfang hat sie im dritten und letzten Akt ihren großen Auftritt, einen Monolog, in dem sie sich unglaubwürdigen Zukunftsträumen hingibt.Keine Minute fällt die Spannung ab. Die Auseinandersetzungen und Konfrontationen, eingeschlossen in einem Haus, entwickeln immer wieder neue Dynamik, in Zweier-Dialogen, aber auch in Gruppensituationen. Ein Lehrstück über weibliche Despotie in der Familie, die sicherlich nicht aus der Welt ist!In der Frauenwelt ist eben nicht alles besser. Wie Intendant Michael Schulz nach dem reinen Männerstück Billy Budd von Benjamin Britten in dieser Saison klarstellt. Eine formidable Gegenüberstellung, wenn sie, so wie in Gelsenkirchen, mit einer rund um gelungenen Theaterleistung einhergeht.</div>

Klassikfavori

Im Würgegriff der Tradition

<div>Musik als Zumutung, dem Leid der Figuren ganz nah: Reimanns „Bernarda Albas Haus“ in Gelsenkirchen ist große Oper - und harte Kost zugleichManchmal kann Theater nicht anders, als eine Zumutung zu sein. Das Leid der Figuren quält in Aribert Reimanns Oper „Bernarda Albas Haus“ 140 pausenlose Minuten auch uns, unerbittlich (schon der Beginn eine einzige Herzrhythmusstörung), kompromisslos. So braucht gestählte Ohren und gute Nerven, wer sich dem stellt. Bestenfalls aber dringt ein großer Abend zeitgenössischen Musiktheaters zu ihm durch.Reimann (heute 87) schuf im Jahr 2000 zu einem Stück dramatischer Weltliteratur eine Musik aus Tod und Verderben, immerwährender Seelenqual, begrabener Hoffnung und der strangulierenden Wucht von Tradition und sogenanntem Anstand. Das ist nicht weniger als eine Klang gewordene Entsprechung auf Federíco Garcia Lorcas Schauspiel über ein andalusisches Frauengefängnis der 1930er Jahre, dessen Mauern Familie heißen.Premiere von „Bernarda Albas Haus“ am Musiktheater im Revier gefeiertDie zum zweiten Mal Witwe gewordene Bernarda Alba kettet ihre fünf Töchter an ein Mauerwerk aus Verbitterung und hohlem Ethos. Fassade ist alles in der südspanischen Ödnis, jedes Wort im Miteinander dieser Sippe Unterjochung und Seelenfolter. Lorca schrieb ein Stück, in dem kein einziger Mann zu sehen ist. Aber einer wie Dietrich Hilsdorf hat doch welche im Gepäck: In seiner subtilen, erzählerisch bestechend klar gearbeiteten Inszenierung gibt es einen Prolog des anderen Geschlechts. Kurz vor seinem Begräbnis liegt Bernardas Mann im Sarg, die Uniformierten, die ihn zu Grabe tragen werden, lungern kartenspielend herum.Regie von Hilsdorf subtil, Sängerinnen grandios, Orchester in großer FormDer Leichnam hat etwas Geschundenes. Ein Wiedergänger Lorcas, den Francos willige Vollstrecker im Jahr dieses seines letzten Werks „amtlich“ erschossen? Später wird, wie aus dem Schattenreich, immer wieder eine projizierte Soldateska aufmarschieren, die Gewehre im Anschlag wie in Goyas „Erschießung der Aufständischen“.Schon lange vorher rollt der todbringende Wahn der Titelfigur über die Ihren hinweg. Hilsdorf zeichnet diese Struktur ganz als Schauspielregisseur. Nichts Opernhaftes regiert bei ihm die Studie der Diktatur unter dem Brennglas des Einzelschicksals, für die Dieter Richter einen Einheits-Raum schuf – Architektur entseelter Frömmigkeit und abgelebten Wohlstands. Hilsdorfs Regie stellt sich völlig in den Dienst der Musik und ihrer starken Protagonisten; Reimanns sämtlich halsbrecherische Partien werden am Musiktheater im Revier auf einem Niveau gesungen, das ersten Häusern Ehre macht. Ob Schmerzens­arie, Gesang eingekerkerter Sirenen oder Requiem auf ungelebte Leben: Alle Farben und Formen Reimanns reizt das Ensemble (stellvertretend seien Almuth Herbsts Bernarda, Soyoon Lees Martirio, Margot Genets Amelia und Katherine Allens Adele genannt) hochcharismatisch aus.Mechthild Großmann („Tatort“ Münster) mit starkem Auftritt in Gelsenkirchens OpernhausDass die Sängerinnen bei den reinen Sprechpassagen darstellerische Intensität einbüßen, fällt vor allem auf, weil die rein als Sprechrolle angelegte Figur der irren Großmutter derart grandios besetzt ist: In Mechthild Großmann findet Lorcas nachtschwarze Poesie eine gespenstisch eindringliche Anwältin.Ein überragender Abend war es nicht zuletzt für die Neue Philharmonie Westfalen mit Johannes Harneit am Pult. Die große Cello-Gruppe bannt mit sehniger Dramatik, Altflöte und Klarinette zeichnen Seelengemälde der Verzweiflung, im Blech spiegelt sich die Zerrissenheit der Autorität und aus vier(!) Flügeln tönt purer Abgrund.Ausverkauft, wie es mit Unkulinarischem so ist, war die Premiere nicht. Wer da war, feierte eine Großtat der aktuellen Opernsaison. </div>

Starke Frauen triumphierten in Reimann-Oper

<div>Gab es bei Brittens „Billy Budd“ am Musiktheater im Revier ein reines Männerensemble, so standen bei der Opernpremiere am Samstag nur Frauen auf der Bühne. Gegeben wurde Reimanns „Bernarda Albas Haus“ nach Garcia Lorca, 2000 in München uraufgeführt, aber seit 20 Jahren zu Unrecht in der Versenkung verschwunden.Altmeister Dietrich Hilsdorf belässt die Oper bei seiner Gelsenkirchener Inszenierung in der Zeit unmittelbar vor dem Spanischen Bürgerkrieg, lässt sie sogar konkret am 19. August 1936 spielen, an dem Garcia Lorca von Anhängern des sich an die Macht putschenden Generals Franco ermordet worden ist. Die Einheitsbühne von Dieter Richter gibt dazu den Blick frei auf den kargen Raum der Mägde und das noble Wohnzimmer im Hause Alba; in der Mitte ein Balkon, über dem eine „Unbefleckte Empfängnis“ des spanischen Barockmalers Murillo thront.In dem düsteren, authentisch-stimmungsvollen Setting führt Bernarda Alba ein diktatorisches Regiment. Ihre schwachsinnig-hellseherische Mutter hat sie schon weggesperrt. Nach dem Tod ihres zweiten Mannes verhängt sie eine achtjährige Trauerzeit, die auch ihre fünf erwachsenen Töchter von der Außen-, vor allem der Männerwelt abschirmen soll. Damit ja die Fassade der Familienehre gewahrt bleibt und nichts Unliebsames nach außen dringt.Im Haus allerdings geht es hoch her, denn da gibt es den – für die Zuschauer unsichtbaren – jungen Pepe, der gleich drei Schwestern den Kopf verdreht. Hilsdorf bringt mit gekonnter Personenführung die sich zuspitzenden innerfamiliären Spannungen auf den Punkt.Almuth Herbst als impulsive Bernarda und Sabine Hogrefe als alte, Widerworte gebende Magd bilden starke Gegenspielerinnen. Die junge Soyoon Lee verleiht Tochter Martirio in ihrer Zerbrechlichkeit wie kindischen Boshaftigkeit besonderes Profil. Beeindruckend auch ihre leichte Stimme, die sie in schwindelerregende Höhen treibt.Die musikalische Realisierung ist exzellent, wobei die meist ekstatisch-exaltierten und hyperexpressiven Töne der Sängerinnen auf Dauer auch die Zuhörer stark beanspruchen. Reizvoll ist der häufige Übergang von der Sing- in die Sprechstimme. Die aparte Orchesterbesetzung aus Bläsern, Klavieren und Celli bringt unter der kompetenten Leitung von Johannes Harneit faszinierende Instrumentalfarben zum Klingen. Und dann gibt es da noch die großartige Mechthild Großmann in der Sprechrolle der Mutter.</div>

Recklinghäuser Zeitung

Unerträglicher Druck

<div>Aribert Reimanns Oper „Bernarda Albas Haus“ ist düster, karg instrumentiert – und ein reines Frauenstück. Am Musiktheater im Revier in Gelsenkirchen bleibt sich Regisseur Dietrich W. Hilsdorf mit seiner dokumentarischen Strenge treu. Und kann dafür auf eine erstklassige Besetzung zurückgreifen.Ein kurzer, scharfer Bläserakkord, dann peitschen blechern perkussive Schläge von vier präparierten Klavieren aus dem Graben. Eine kehlige, tiefe Stimme gellt aus dem Off: „Bernarda!“ Mit diesem harschen Entrée beginnt Aribert Reimanns Oper „Bernarda Albas Haus“, die an der Münchner Staatsoper 2000 zur Uraufführung kam. Seither wurde das Stück nur zwei Mal nachgespielt und hat nun am Gelsenkirchener Musiktheater im Revier eine triumphale Premiere erlebt. „Bernarda Albas Haus“ ist nichts für Opernkulinariker, ein ausgesprochen sperriges, herbes Stück Musiktheater, düster, karg instrumentiert und ein reines Frauenstück. Intendant Michael Schulz hat es in Gelsenkirchen unmittelbar nach Benjamin Brittens „Billy Budd“ auf den Spielplan gesetzt – ein reines Männerstück. Eine mutige Dramaturgie, die auf den Plan schließen lässt, einen roten Faden zu finden und auch fordernde Inhalte zu wagen.Die Rechnung geht auf, zumindest in der Premiere, die einhellig bejubelt wird, obwohl die Wahl ohne Frage riskant ist. Denn diese Oper muss an allen Stellen erstklassig besetzt werden, sonst können acht oft in höchsten Lagen singende Frauen am Rande des Nervenzusammenbruchs zur Tortur werden. Und die über weite Passagen in gegenseitigen Nadelstich-Quälereien stagnierende Handlung zur Geduldsprobe.Doch in Gelsenkirchen ist alles vom Feinsten: Regisseur Dietrich W. Hilsdorf, der Altmeister insznierte 1981 (also vor nunmehr 42 Jahren) an diesem Haus mit „Eugen Onegin“ seine allererste Oper, läuft erneut zu großer Form auf. Im Laufe seiner langen Karriere blieb Hilsdorf seiner Methode stets treu: die literarischen Vorlagen von Opernlibretti, also die Urtexte aufs Korn zu nehmen und so verschüttete Subtexte freizulegen. In diesem Fall ist es Federico Garcia Lorcas gleichnamiges Drama von 1936, über das der Dichter selbst gesagt haben soll „Kein bisschen Dichtung … alles Realität! Reiner Realismus.“ So steht im Vorwort des Theatertextes tatsächlich: „Der Dichter möchte darauf aufmerksam machen, dass diese drei Akte als fotografisch genaue Dokumentation gedacht sind.“Solche Hinweise lässt Hilsdorf sich nicht entgehen, sondern nimmt sie zum Anlass, sich jede abstrahierende Überhöhung zu versagen und stattdessen mit dokumentarischer Strenge vorzugehen. Als konkrete Vorlage dürfte Garcia Lorca für sein Drama das Nachbarhaus seiner Tante in Valderubbio gedient haben. Vor jenen ersten, alarmierenden Takten geben die Übertitel nun Auskunft, wo und wann man sich befindet, nämlich 1936, „Valderubbio, Provinz Granada“.Bühnenbildner Dieter Richter hat zwei atmosphärische Räume auf die Bühne gesetzt, zur rechten einen Wohnraum mit ornamentaler Tapete, langem Esstisch und Klavier an der Wand. Zur linken eine schäbige Kammer mit Waschbecken und verblichenen Wänden, zwischen beiden Räumen ragt eine Art Erker hervor, unten eine Tür, oben ein Balkon. Nicola Reichert steckt das Personal in leicht aktualisierte, raffiniert-dezente Kostüme.Die Handlung spielt ausschließlich im titelgebenden Haus der Bernarda Alba. Der Hausherr ist gerade gestorben, seine Witwe Bernarda führt von nun an ein eisernes Regiment und ordnet eine Trauerzeit von acht Jahren an, in der ihre fünf Töchter quasi unter Hausarrest stehen. Die Sehnsüchte wenigstens dreier der Töchter gelten indes einem gewissen Pepe el Romano, der mit der ältesten Tochter – aus erster Ehe mit einem anderen Mann – verheiratet werden soll, die vom jüngst Verstorbenen reich beerbt wurde. Zwei ihrer weniger privilegierten Halbschwestern aber lieben diesen Pepe ebenfalls. In der klaustrophobischen Enge des düsteren Hauses, getrieben von unterdrückter und verteufelter Sexualität brauen sich in der unbarmherzigen Hitze des andalusischen Hochsommers fatale Intrigen zusammen und münden schließlich mit dem Suizid einer der Schwestern in der Katastrophe. García Lorcas unbarmherzige Studie der repressiven Gesellschaftsverhältnisse im Spanien der 1930er-Jahre mag westlichem Großstadt-Opern-Publikum aus der Zeit gefallen scheinen, gleichzeitig sind solcherart archaische Verhältnisse mit weggesperrten Frauen im Rest der Welt und sogar in hiesigen Parallelwelten nach wie vor keine Seltenheit.Aribert Reimanns Partitur sperrt dagegen bis auf den Einsatz (in Gelsenkirchen aus dem Off) eines Chores die Männer aus, alle Partien sind ausschließlich für Frauenstimmen komponiert. Begleitet werden sie von einem ungewöhnlich besetzten Orchesterapparat: Vier (teils präparierte) Flügel, zwölf Celli, zehn Holzblasinstrumente (Klarinetten und Flöten, keine Oboen) und sieben Blechbläser ordnen sich mit verschiedenen Klang- und Geräuschwelten den Frauenfiguren zu, die allesamt mit extremen Partien betraut sind. Sprünge bis weit über die Oktave hinaus sind nicht die Ausnahme, sondern quasi das Grundmaterial der Stimmführung aller singenden Frauen. Kaum jemals kommt ein melodiöser Fluss zustande. Die Frauen eint eine hörbar gemachte maximale körperliche und seelische Anspannung, ein unterdrückter Ausnahmezustand. Man könnte die exaltierten Gesangslinien auch als Musik gewordene Hysterie bezeichnen. Glücklicherweise werden trotz deutsch gesungenen Textes Übertitel eingeblendet, denn der verzerrende Gesangsgestus lässt den Text teils nur schwer verstehen. Johannes Harneit im Graben hat das heikle und durch seine karge Instrumentierung überaus fragile, weil offenliegende Geschehen souverän in der Hand gibt den Sängerinnen den nötigen Halt, um über sich hinauszuwachsen.Stellenweise verfallen die Frauen auch immer wieder ins trockene Sprechen – diese Passagen werden nicht übertitelt und kommen erschreckend direkt über die Rampe. Überhaupt setzt Hilsdorf auf schnörkellose Direktheit und Drastik: In minutiöser Personenführung unter Hochspannung zeigt er die Nöte und Qualen der Eingesperrten, den Hass der untergebenen Mägde, lässt sie beben in unterdrückten Konflikten und Begierden. Und schließlich verdichtet er das Crescendo des Dramas in kleinsten Gesten und Blicken immer mehr, bis sich der unerträgliche Druck endlich entlädt.Das Ensemble zieht fantastisch mit: Almuth Herbst ist eine gnadenlose Bernarda mit fulminant ausschwingendem Mezzo, eine faszinierend ambivalente Figur, die unter dem eigenen Regiment, das in Wahrheit ja ein Regiment des abwesenden Patriarchats ist, zu leiden scheint. Auch die Töchterschar ist mit Lina Hoffmann (Angustias, die älteste Tochter), Bele Kumberger (Magdalena), Margot Genet (Amelia), Soyoon Lee (Martirio, die Chef-Intrigantin) und Katherine Allen (Adela, die eigentliche Geliebte Pepes, die sich zuletzt umbringt) famos besetzt. Gleiches gilt für die Mägde La Poncia (die wunderbare Sabine Hogrefe, die eine verhärmte, doch selbstbewusste Frau zeigt) und Violeta (Publikumsliebling Anke Sieloff mit einer weiteren Glanzleistung).Einen grandiosen Auftritt hat die große Mechthild Großmann in der Sprechrolle als kindlich-wahnsinnige Mutter der gnadenlosen Hausherrin, die den Abend mit ihren „Bernarda!“-Rufen so unheilvoll einläutet. In der Region ist sie vielen als langjährige Pina-Bausch-Darstellerin bekannt, ein größeres Publikum erinnert eher ihre selbstironisch-witzigen Auftritte mit verrauchter Bariton-Stimme als Staatsanwältin beim Münsteraner „Tatort“.Fazit: Eine perfekte Inszenierung, die einen exemplarischen, letztgültigen Eindruck hinterlässt und nahtlos verzahnt ist mit einer herausragenden musikalischen Gesamtleistung. Ein seltener Glücksfall!</div>

Die Deutsche Bühne

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Dietrich W. Hilsdorf

Dieter Richter

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