2024-25

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Licht

Dramaturgie

Sounddesign

Ballettmeister

Tänzerinnen

Kleines Haus

Tänzer

Inszenierung und Choreografie

Bühne und Kostüm

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<strong>Mit Special Guest "The Droids" - DJ - & liveactduo</strong>

Open (S)Pace

2017-18

Mitreißender Bewegungsstrudel

"Killerameisen“ treten in Horden auf und fressen alles, was ihnen in die Quere kommt. Blind folgen sie dabei mit der Nase ihrem Anführer. Verlieren sie diese Spur, folgen sie nur noch dem Vordermann, bis alle nur noch im Kreis laufen und schließlich vor Erschöpfung sterben. Diesem so genannten „Ameisenmühlen“-Phänomen widmet der Choreograph Jeroen Verbruggen seine Inszenierung „Open (S)pace“ in Gelsenkirchen.

Schon der Titel spielt mit der Doppeldeutigkeit: Es geht um den „offenen Raum“ und um „offene Pfade“, die nicht ausgetreten sind. Das Musiktheater im Revier lud den gefragten Choreografen ein, einen derart offenen Raum zu bespielen: Bühnenbildnerin Ines Alda, die auch für die minimalistischen Kostüme und (mit Andreas Gutzmer) für das Lichtkonzept verantwortlich zeichnet, schuf einen gläsernen Käfig, dessen acht Seitenscheiben zerbrochen sind. Die Zuschauer im Kleinen Haus sitzen rundherum, so dass ein 360 Grad Spielraum entsteht. Ein „Open Space“.

Jeroen Verbruggen lässt das Ensemble des Ballett im Revier hier auf sehr vielseitigen Pfaden wandeln. Lässt es eine wilde Mischung tanzen aus neoklassischem Spitzenballett und modernem Tanztheater, das die Grenzen zur Akrobatik durchbricht. Lässt es wie kleine Insekten über die Bühne kriechen oder wild mit Knochen zu Tribal-Rhythmen durch den Raum wirbeln.

Das Gelsenkirchener Ballettensemble lässt sich mitreißen von diesem Bewegungsstrudel, hat sichtlich Spaß daran, diese neuen Pfade zu betreten. Und es zeigt in „Open Space“ wie eng diese Compagnie inzwischen zum Team verwachsen ist, jedes Detail ist perfekt aufeinander abgestimmt.
Der unterlegte Soundteppich von Benjamin Magnin untermalt die Szenen mit sphärischer elektronischer Musik, unterbrochen von musikalischen Zitaten aus Oper und sakraler Musik, mit einem Ausschnitt aus Sigmund Rombergs Operette „The Desert Song“ klingt gar eine politische Ebene an.

„Open (S)pace“ startet ruhig und bedächtig mit einem pulsierenden Herzschlag und Menschen auf der Suche, bildgewaltig schichtet Verbruggen in 75 Minuten Motiv an Motiv, treibt das Publikum mit acht Tanzbildern bis an die Grenze der Reizüberflutung und läuft gegen Ende Gefahr, die große Kunst zu einem grellen Spektakel verkommen zu lassen.
Dann reißt der belgische Choreograph in quasi letzter Minute das Ruder noch einmal herum und lässt die Tänzer eine sinnliche und nachdenklich stimmende Coda tanzen. „Open (S)pace“ wird man daher nicht so schnell vergessen, auch wenn sich nicht alles auf den ersten Blick erschließt.

Westdeutsche Allgemeine Zeitung (Regional)

Open (S)Pace von Jeroen Verbruggen

Am Anfang dieser in vieler Hinsicht erstaunlichen Ballett-Performance stand die Idee, den derzeit vielbeschäftigten, dauerkreativen, jungen Choreographen Jeroen Verbruggen zur Zusammenarbeit mit der nicht weniger bemerkenswerten Gelsenkirchener Compagnie zu bewegen. Das Haus machte dem Belgier ein verführerisches Angebot: Eine Produktion im kleinen Haus des Musiktheaters auf der Raumbühne sollte es sein. Ansonsten gab es keine Vorgaben. Carte Blanche für ein Experiment mit einer bestens trainierten, im neoklassischen Stil überlegenen und für andere Bewegungssprachen überaus aufgeschlossene Compagnie  in einer aufregenden Raumsituation mit der Bühne in der Mitte des Zuschauerraumes. Verbruggen sagte zu und kostete die Möglichkeiten voll aus.

Am 28.4. hatte Open (S)Pace im kleinen Haus Premiere. Ein achteckiger Pavillon in der Mitte des Raumes markiert den Bühnenraum. Die Scheiben in der weißen Stahlkonstruktion sind bis auf wenige Reste in den Rahmen zerbrochen, einige Scherben auch auf dem Boden. Bereits beim Einlass pulst ein dumpfer Herzschlag (Sounddesign: Benjamin Magnin) durch den Raum, die Tänzerinnen und Tänzer sitzen in hautfarbenen, kurzen, schurzartigen Kostümen (Ausstattung: Ines Alda) zwischen den Zuschauern und lassen die Strahlen großer Handscheinwerfer durch den Raum gleiten, die Lichtpunkte tasten und erforschen das Setting, aber auch die Körper, es ist eine Erkundung des Gegenübers auf Distanz. Einzelne Zuschauer werden mit einbezogen, sanft von ihren Plätzen an den Bühnenrand geführt, ermutigt, selbst die Scheinwerfer zu führen, oder einfach nur ein merkwürdiges Wesen in der Mitte der Bühne näher in Augenschein zu nehmen. Das Wesen, das dort kauert, trägt hautfarbene Ballons an Rücken und Armen. Alien oder Mutation? Lichtscheu weicht es panisch zurück, wenn es mit dem Scheinwerfer bedrängt wird.

Vielleicht gab es eine Katastrophe, die jede Gemeinschaft und Zivilisation zerstörte. In den Ruinenresten irren die Überlebenden ziellos und haltlos umher, ohne soziale Struktur. Sie beginnen, eine Art des Zusammenlebens, des Umgangs miteinander neu zu suchen und zu erfinden, probieren Annäherungen, Körperkontakt, schrecken voreinander zurück, versuchen es erneut, mal ungelenk, mal rüde, mal vorsichtig tastend. Paar, Gruppe und Gemeinschaft. Sie forschen nach ihrer Herkunft und dem Sinn ihrer Existenz, entwickeln schließlich gemeinsame Rituale als Basis einer Gesellschaft. Und doch drängen immer wieder und zuletzt fast animalische Instinkte und Verhaltensweisen an die Oberfläche. 

Jeroen Verbruggen ist eine Ideen-Maschine. Atemlos stürzt er von Einfall zu Einfall, ist dabei immer originell, manchmal hastig, oft enorm bildstark, auch weil die Lichtgestaltung von Andreas Gutzmer und Ines Alda alles aus dem Raum herausholt. Gemeinsam mit dem Ensemble hat er eine ganz eigene Bewegungssprache entwickelt, die sehr weit weg von der neoklassischen Eleganz ist und unbedingt zeitgenössisch daher kommt, schnell, abrupt, scharfkantig, athletisch bis zum Akrobatischen. Für die Männer wie die Frauen ungemein fordernd in Kraft, Ausdauer und Präzision. Oft lässt er perfekte Körperspannung ganz plötzlich in totale Erschlaffung wechseln und sofort wieder zurück in die nächste Anspannung. Das verlangt den Tanzenden viel ab, denn nur, wenn die harten Schnitte perfekt sitzen, sind sie als gesetzt zu erkennen und wirken nicht wie Unsauberkeiten. Die Gelsenkirchener Compagnie stürzt sich mit vollem Elan in dieses Abenteuer und folgt Verbruggen auf seinem halsbrecherischen Weg. Auch auf diesem ungewohnten tänzerischen Terrain ist die unglaubliche Bridgett Zehr herausragend. José Urrutia lässt  sein raumgreifendes Charisma strahlen. Eine ganz ungeahnte Qualität entwickelt Valentin Juteau, dem Verbruggens Choreographie auf den Leib geschrieben zu sein scheint. Bewundernswert auch der Elan, mit dem Louiz Rodrigues sich diese Fremdartigkeit der Bewegung zu eigen macht, als sei sie in seine DNA eingeschrieben. Wie geheimnisvoll und kühl Hitomi Kuhara gleich zu Beginn den Raum durchmisst, das ist allein schon den Abend wert. Doch sie alle sind an diesem Abend Teil ihres Ensembles, das durch seine Geschlossenheit erst atmet: Francesca Berruto, Sarah-Lee Chapman, Rita Duclos, Tessa Vanheusden, Sara Zinna, Carlos Contreras, Paul Calderone.

Bei der Premiere wirkte der Beginn des Abends noch etwas verhalten. Das mag einerseits daran liegen, dass auch beim Zuschauer erst eine Herantasten an diese ungewohnte Bewegungssprache einsetzt, es ist aber auch gut vorstellbar, dass der Abend bei den nächsten Vorstellungen noch an Energie und Flow gewinnt, wie er es auch bei der Premiere bereits in den meisten Momenten hatte. Zudem ist die extreme Dichte an choreographischen Ideen für den Zuschauer beinahe eine Überforderung, so dass hier die dringende Empfehlung ausgesprochen werden muss, sich Open (S)Pace mehrmals und am besten aus verschiedenen Raumperspektiven anzuschauen.

Zuletzt sei noch erwähnt, dass das Musiktheater im Revier auch dadurch Maßstäbe setzt, dass es im Anschluss an die Premiere im Foyer das Münsteraner DJDuo The Droids engagierte, das nahtlos aus der Atmosphäre des Stückes in die Party überleitete. Bei den Aufführungen am 9.5. und 3.6. werden sie wieder im Anschluss an die Vorstellungen auflegen.

www.ruhrbarone.de

Rituale um die Mutter Erde

Ich will das Publikum überwältigen, dass es aufhört zu denken und endlich anfängt, mit allen Sinnen zu spüren.“ Dieses Credo nimmt man dem Choreografen Jeroen Verbruggen gern ab, wenn man seine Ballettperformance Open (S)Pace im Gelsenkirchener Musiktheater im Revier gesehen hat. Man kann, muss aber auch nicht alles von dem verstehen, was sich in den 70 Minuten abspielt. Doch dass hier archaische Themen um den Zustand und Erhalt der „Mutter Erde“ angeschnitten werden, das spürt man in jedem Moment. Wenn die dreizehn Tänzerinnen und Tänzer des Gelsenkirchener Ensembles in angedeuteter Nacktheit orientierungslos durch den Zuschauerraum wandeln und langsam die Bühne erobern, um sich zu Stammes- und Kulttänzen zu formieren, fühlt man sich angesichts des urwüchsig-animalischen Kolorits an Strawinskys Sacre du Printemps erinnert. Allerdings verbreiten die sanften elektronischen Klänge des Sounddesigners Benjamin Magnin eine erheblich mildere Stimmung. 

Ein Klanggemisch mit minimalistischen Anleihen, durchsetzt mit etlichen Zitaten aus Musical, Oper und geistlicher Musik. Ein wenig kunstgewerblich klingt das schon, bietet aber genügend Nährstoff für die originellen Tanznummern. Die von Ines Alda gestaltete Bühne ist inmitten des Publikums angesiedelt und als verglaster Oktogon angelegt, der die Tänzer gleichermaßen einschließt und schützt, jedoch auch immer wieder von ihnen durchbrochen wird. Eine tiefe Grube deutet den Erdmittelpunkt an und um den strickt Verbruggen geheimnisvolle Tänze von suggestiver Ausdruckskraft. Man weiß nicht, ob hier die Erdmutter beerdigt werden soll oder ein Opferritual angestrebt wird, wenn sich einige Tänzerinnen dagegen wehren, lebendig begraben zu werden. Es kommt zu kultischen anzformationen, bei denen die mit Händen greifbare Muttererde von den Körpern der Tänzer Besitz nimmt. 

Zurück zur Natur: Ohne jedes Detail erklären zu können, besticht die Performance durch ihre urwüchsige Sinnlichkeit. Man merkt es dem Ensemble an, mit welcher Begeisterung es die originellen Aufgaben angeht. Sowohl im Ensemble als auch mit sehenswerten Einzelleistungen, etwa von Rita Duclos, Bridgett Zehr oder Hitomi Kuhara. Für das Repertoire des Gelsenkirchener Tanztheaters ist diese kleine, aber feine Produktion eine echte Bereicherung, wobei sich die Compagnie in einer so guten qualitativen Form zeigt,
dass es schwer sein wird, für die demnächst scheidende Ballettdirektorin Bridget Breiner einen gleichwertigen Ersatz zu finden. Viel Beifall für einen weiteren Leistungsbeweis des Balletts im Revier.

Westfälische Nachrichten

Ja was suchen sie denn auf offener Bühne?

Schon der Beginn durchkreuzt alle Erwartungen an einen Ballettabend. Wie erstarrt hocken die Tänzer an den Enden der Publikumsreihen. In den Händen halten sie Suchscheinwerfer. Ein enervierender Herzschlag-Rhythmus durchpulst dumpf das Kleine Haus des Musiktheaters im Revier.

Eine Ballettperformance nennt der belgische Choreograf Jeroen Verbruggen sein Tanzexperiment auf rundum offener Bühne. Eine Blankovollmacht hat ihm Ballettdirektorin Bridget Breiner für die letzte Ballettpremiere der Saison erteilt. Doch was Verbruggen abgeliefert hat, ist weder reizvolles Ballett noch kühne Performance. Choreografisch ist dieser Abend ein Offenbarungseid. Er ist das Eingeständnis einer künstlerischen Pleite.

Dabei wurde der langjährige Erste Solist des renommierten Balletts von Monte Carlo, der immerhin in Tanzschöpfungen von Balanchine und Forsythe, Ekman und Béjart, Inger, Kylián und Marco Goecke auftrat, in Gelsenkirchen als „einer der angesagtesten Choreografen unserer Zeit“ hochgejazzt. Das Kleine Haus sollte gar „zum Experimentierlabor einer neuen Welt“ werden. Tatsächlich hat der Belgier seine Tanzkarriere erst vor vier Jahren beendet, um sich der Choreografie zuzuwenden.
Was er in Gelsenkirchen zeigt, widerspricht allen Vorschusslorbeeren. Verbruggens Bewegungskanon fällt eher bizarr als elegant aus. Kein Wunder. Von den elf Tänzern, die sich mit bewundernswerter Energie in ihre Auftritt-Schnipsel stürzen, verlangt Verbruggen, den flüssigen Bewegungsablauf zu konterkarieren. So erleben wir Radschläger und gymnastische Übungen, abrupt ausgebremste Halbdrehungen um die eigene Achse, ein konfuses Gewusel, ein Wegdrücken und Wegstoßen. Man ahnt nicht, wie gedehnt unter solchen Umständen 75 Minuten wirken können.

Ja, was suchen sie denn, die Tänzer, wenn sie in einer diffusen Lichtregie mit ihren Scheinwerfern fuchteln und sie nach Art des hier nur als Masche dienenden guten alten Mitmach-Theaters Zuschauern in die Hand drücken. Die Lichtkegel scheuchen eine animalisch kauernde, mit gelben Luftballons befrachtete Tänzerin auf. Aha, das Animalische im Menschen wird hier zum Thema. Höchstens fünf hautfarben drapierte Tänzer haben hinreichend Platz auf der Fläche des Oktogons, das Ausstatterin Ines Alda mitten ins Parkett gestellt hat. Als sich ein Schlund voller Erde auftut und Tänzerinnen bei lebendigem Leib begraben werden sollen, verwandelt sich das Ensemble in eine Steinzeit-Horde mit Knochenschmuck. Dazu vernimmt man in Benjamin Magnins Soundbrei nach Morsezeichen und barock gewirkten Cello- und Gesangseinschüben das Geräusch brechender Knochen. Wie geschmacklos. Das Archaische auf der Tanzbühne hat einst Pina Bausch zu Strawinskys „Sacre du printemps“ ungleich fesselnder gezeigt. Und ohne ins Banale abzudriften.

Recklinghäuser Zeitung

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Ja was suchen sie denn auf offener Bühne?